Proyecciones

... ideas en movimiento

Espacio de articulación teórico-practica,destinado a la investigación y experimentación en danza.

Que pensamos…Proyectar, proiectare, arrojar hacia adelante. Arrojar; impeler con violencia una cosa, despedir de sí, sacar a uno de su lugar. Espacio, violencia, lugar, cuerpo, forma. La danza está en los intersticios, los espacios en blanco que dejan estas palabras, en el silencio de la frase, en el suspenso de un pensamiento que mantiene con ella un romance tortuoso.Pensamiento- practica, pensamiento-cuerpo, presentes como polos enigmáticos, irreductibles a todo lenguaje sea tanto lingüístico como cinético. Hay algo en constante desborde. El cuerpo inaprehensible de quien baila, las ideas tensionadas de quien compone. La composición en danza ha sido en el transcurrir de nuestros encuentros semanales, la excusa perfecta, la herida no cicatrizada sobre la cual hendir cuestionamientos irresolutos. Cuestionamientos estos, relativos a la posibilidad de generar sentido a través del movimiento, los modos de ser del lenguaje de la danza, la posibilidad de una gramática que le sea propia, las clausuras del sentido.

Proyecciones ha propuesto un abordaje aún extraño al trabajo del bailarín contemporáneo. Ha abierto un espacio en el que la palabra y la danza pudieron compartir un suelo común, establecer un diálogo. Interpelar a la danza desde el pensamiento, al pensamiento desde la danza, borrar las diferencias entre ambos, volver a restituirlas, inquirir con la duda enunciable, responder con el silencio sonoro de un cuerpo que danza.

En éste sentido lo generado no es más que un proyecto, una violencia que le hemos hecho al orden aquietado de las cosas, los roles, las causas. Es un principio, un corrimiento espacial, una desorientación deseada y siempre inconclusa. Como a tientas, a media luz, hemos creado formas, sin inspiraciones mitológicas que las provoquen, ni razonamientos matemáticos que las justifiquen. Hemos buceado en la profundidad de la sensibilidad y en la superficie del pensamiento.

Desde el llanto conmovedor de las primeras composiciones, hasta el texto de quien suscribe, se desenvuelve una línea transversal que unifica extremos, polos cuya distancia se ha querido apaciguar. Trayecto espontáneo, sin coreografías que lo preanuncien, ni lugares establecidos donde arribar. Solo un empuje, un arrojar, hacia adelante, hacia lo desconocido. Quienes somos…

Bailarines: Mercedes ClaudevilleCamila SantosJulieta CiochiFrancisca Oyarce Diego GómezFlorencia PolloCintia MariscalSalomé BazanJosefina VergaraMaría José MarrodanCarolina BavioGisela BaiardoClaudia ZimmermannClarisa BisigliaAimé IbaldiNicole CondróLucía GarcíaVirginia López Leiva

Diseño de luces: Adrián Cintioli

Cámaras: Jazmin Bazan l Lucia FriedlanderColaboradores:Cristina Solans: maquillajeAna Brussa: asistencia generalMauricio: músico invitadoRubén Gallardo: sala de encuentros “espacio creativo”

Fotos: Cristina Solans l Camila Santos

Coreografías: Grupo ProyeccionesDirección y coordinación: Victoria Viberti
Entrada general $25 y $20 con descuento.

Horarios: Domingos 12, 20 y 27 de septiembre a las 20 hs

Ciclo tardes y noches de Butoh

Un mes dedicado al Butoh y sus devenires.

Un ciclo de espectaculos y de seminarios.
Coordinación general: Quío Binetti

Asistencia general: Rocío Salmoiraghi

Asistencia Técnica: José Binetti

Asistencia en función: Ayelen Mendieta

El Butoh, danza contemporánea japonesa, desde la década del 80 viene ganando terreno en el campo de la danza de nuestro país.Basado en la improvisación de Estados internos que se plasman en un cuerpo y lo bailan, el Butoh permite el despliegue poético personal de cada bailarín.Este lenguaje se ha prestado a apropiaciones y reapropiaciones, a cruces y mezclas, a devenires diversos desarrollando originales variables escénicas.La Propuesta de este ciclo es reunir a diferentes coreógrafos que representen a través de sus obras algunas de las nuevas tendencias y búsquedas en este lenguaje particular.Cada artista convocado muestra en su obra una particular elección creativa dentro del paisaje de la danza butoh.

Los seminarios seran de una duracion de tres horas donde el "espectador" podra vivenciar una experiencia butoh como participante del tallerLas obras cuentan con un formato pequeño y variado (solos, dúos, grupos.)La duración aproximada de cada noche de espectaculo será de 80 minutos.

Entrada general $ 20 y Jub. y Est. $ 15

Horarios:Domingo 1 de noviembre:Rhea VolijDomingo 8 de noviembre Rocio Salmoiraghi Domingo 15 de noviembre:Carina dobrito

Domingo 22 de noviembre:Quio BinettiDomingo 29 de noviembre:Andrea ChamaA las 19 hs.

Curso Intensivo de Verano: Arte y meditación

Experiencias con dibujo y color

Inicio: Viernes 8 de enero de 2010

Horario:viernes de 18 a 20:30hs.

Arancel: $200.- las cuatro clases

El arte abre el acceso a otra dimensión. Nos permite tanto al creador como al espectador participar de un espacio no ordinario de conciencia. Un espacio en el cual el tiempo no existe, en el que se revelan los hilos de una trama inefable.

El taller propone una aproximación a este espacio a través de ejercicios de dibujo y color que son mucho más que una ejercitación técnica.La mente también necesita ser entrenada para concebir nuevas formas y poder materializarlas.La propuesta está orientada hacia toda persona interesada en experimentar y realizar este trabajo, con o sin experiencia previa.

Graciela Ieger:

Nació en Buenos Aires. Se formó en las Escuelas de Artes Visuales Manuel Belgrano y Prilidiano Pueyrredón. Cursó Estética y Filosofía con el Licenciado Silvio Maresca. Continuó su formación en los talleres de Eduardo Giusiano y Carlos Gorriarena. Es Psicóloga Social, egresada de la Escuela de Psicología Social Enrique Pichon Rivière, y se formó como instructora en el Sistema de Gimnasia Rítmica Expresiva, sistema Milderman. Se capacitó en Seminarios de creatividad con el Dr. Carlos María Martínez Bouquet y la Licenciada María Cristina Florez.

Licenciada María Cristina Florez.

Como artista plástica participó en exposiciones individuales y colectivas.En el año 2005 ha recibido el 1º Premio en la VI Bienal de Pintura Paloma Alonso.

Sus obras forman parte de colecciones argentinas y del exterior. Es docente de dibujo y pintura desde 1976.

Anticipo: Curso Intensivo de Verano l Danza Contemporánea

Espacio propio. Augenblickespacio de investigación

coord. fernando n. pelliccioliy carlos osatinsky

Duración:5 encuentros de 3 horas.

Fechas:Del 25 al 29 de enero del 2010de 11 a 14 hs

Arancel:$ 250.- el curso

Espacio Propio.Augenblik” es un taller de investigación de la performance que conjuga aspectos técnicos del movimento con elementos ligados a la improvisación escénica bajo la conviccíon de que la “técnica” constituye una via de preparación para lo inesperado e imprevisible. “Espacio Propio” da nombre al sentido de espacio interno, refiriéndose al proceso de estudio de las conexiones que pueden descubrirse en nuestro propio espacio corporal y el espacio fuera de él, con las múltiples posibles interacciones y asociaciones ligadas a un espacio compartido kinético, emocional y poético. El vocablo alemán “Augenblick” se traduce al español como “momento” o “instante”. Literalmente está compuesta por las palabras “ojos” (Augen) y “mirada/imágen” (Blick) dando al término un significado pleno y metafórico rico en asociaciones físicas: parpadeo, lo que ocurre en un abrir y cerrar de ojos, la duración de una mirada, ser testigo del instante pleno, el aqui-ahora. Cada encuentro comienza volcando nuestra atención hacia la estructura ósea del cuerpo como principal medio de apoyo y sostén. A través de una serie de secuencias simples buscaremos concientizar la presencia del hueso, las uniones y del tejido más profundo con el fin de lograr un movimiento más eficiente, conectado y creativo. Abordaremos, luego, un trabajo de exploración donde el cuerpo se exprese como un medio bajo un flujo de constantes cambios de necesidades internas y externas. Trabajamos en generar estados energéticos y emocionales haciendo incapié en el desarrollo de la energía individual y de su interrelación con la energía grupal y con el entorno. Con el objeto de desarrollar habilidades en la improvisación, de generar un estado de permanente alerta, nos apoyaremos fundamentalmente en la capacidad de observarnos a nosotros mismos para así poder darnos a lo que ocurre en nuestro entorno con confianza. La intuición, la entrega, la escucha y la aceptación, son las capacidades fundamentales que potenciaremos para así establecer vínculos expresivos y trascender obstáculos para el libre flujo del ser creativo y escénico. Propondremos diversas experiencias y recursos que entrecrucen lo vivencial y la reflexión sobre el evento escénico. “Espacio Propio.Augenblick” está dirigido a bailarines, performers, actores, artistas y toda persona buscando experimentar y ampliar el campo expresivo a través del cuerpo.

Breve Biografia Conjunta Fernando N. Pelliccioli, nacido en Buenos Aires, y Carlos Osatinsky, nacido en Tucumán ,Argentina, son bailarines y coreógrafos residentes en la actualidad en Berlin, Alemania. Ellos se encontraron mientras cursaban los estudios en el Taller de danza Contemporánea del Teatro San Martín en Buenos Aires donde estudiaron, entre otros, con maestros como ser Haichi Akamine y Marina Giancaspro. Luego de sus respectivas experiencias como bailarines en diferentes compañías y coreógrafos en Argentina (Cia. de Danza Contempóranea del Teatro San Martín, Nucleodanza, Antikos, Sísifo Teatro Físico, Grupo de danza contemporánea de Tucumán, etc.), en el año 2000 viajan a Europa con el deseo de expandir sus experiencias profesionales y de vida. Alli profundizan sus estudios con Jeremy Nelson, Susan Klein, Emio Greco, David Zambrano, Angels Margarit, Roberto Oliván, Sasha Waltz, Los Ballet C. de la B., Luis Lara Malvacias. Desde entonces trabajan como bailarines independientes y creadores en diferentes proyectos de la escena europea, principalmente en España, Bélgica, Suiza, Austria y Alemania junto a Tomi Paasonen, Anna Huber, Toula Limnaios, Davide Camplani, Trisha Brown, Roberto Oliván, Andres Corchero y Rosa Muñóz, Andrea K. Schlewein, Heike Hennig, Helena Lizari, entre otros.

A su vez, ellos transitan un camino de colaboración materializando diversas experiencias artísticas y educativas impulsados por la búsqueda de un lenguaje escénico de apertura y riesgo donde investigan diferentes modos de relación entre intérpretes, obra y espectadores. Sus últimos trabajos son “CAER” -presentado en Argentina, Madrid, Barcelona y Berlín-, “También Tan Poco”, improvisación en escena con 11 bailarines, “ La Inmediatez de la Presencia Pura ” y “Pido el Silencio”, creada para el Grupo de Danza Contemporánea de la Provincia de Tucumán, estrenados en diciembre del 2005 y “Winners” bajo la dirección de Helena Lizari en Barcelona, España.Como educadores han dictado cursos y talleres en Kassel, Berlin, Barcelona, Granada, Madrid y en Argentina en Buenos Aires, Jujuy y en numerosas ocasiones en la provincia de Tucumán. Han sido invitados a dictar clases en el Taller de Danza del Teatro General San Martín en Buenos Aires, y en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Tucumán.

“SPEAK 3.0” y “3M2 [Tres metros cuadrados]”

SPEAK 3.0

Alejandra Ceriani, Fabricio Costa Alisedo y Fabián Kesler presentan Speak 3.0: una pieza multimedial que es germen de planteos conceptuales innovadores, a partir de la experimentación con nuevas herramientas tecnológicas que vinculan cuerpo, imagen y sonido. los creadores proponen una búsqueda para relacionar creativamente los procesos de cambio radical experimentados por la sociedad y el individuo contremporáneos.

La interacción en tiempo real de una performer, un artista digital y un compositor electroacústico hacen confluir el movimiento, la animación y la música para generar un diálogo en el cual La dualidad de los estados de movimiento / quietud de un cuerpo son traducidos y reinterpretados en paradigmas visuales y sonoros, que se combinan con el material generado por el músico-diseñador de sonido y por el artista digital. este último trabaja con un software de desarrollo propio llamado Moldeo.Así, se genera un cruce de sentidos donde las imágenes y los movimientos pueden escucharse y los sonidos, a su vez, verse y palparse.







“3M2 [Tres metros cuadrados]”

La bailarina y cantante Valeria Pagola estrena en argentina la pieza de improvisación 3m2 junto a Fabián Kesler músico electrónico. 3m2 fue estrenada en julio de este año en Valparaíso chile, invitada por la plataforma Escenalborde en aquella ocasión la improvisación se realizó junto a los músicos Chilenos Fernando Godoy y Rodrigo Ríos.

Un espacio cuadrado de tres metros por tres metros, con cables y micrófonos desperdigados por el suelo, será el reducido escenario donde danza, voz y música entrarán en juego. La performance está basada en su tema de estudio, el vínculo voz-movimiento y en la estética de 55[sin.cuentay5] obra de la coreógrafa estrenada en el año 2008.

Este trabajo toma de 55 el marco escenográfico: piso contrastante al cable de los mics, cantidad de cables y micrófonos.Fuera del cuadrado Fabián Kesler trabajará con los sonidos captados por los micrófonos, la voz de la bailarina será modificada en tiempo real y a su vez podrá activar bloques musicales y bases rítmicas propias; integrando así la propuesta de la voz la danza junto a su experiencia musical, creando entre los dos un extraño mundo sonoro.

Ficha Técnica:

Voz y Danza: Valeria Pagola

Música Electrónica: Fabián Kesler

Asistencia creativa: Melina Boyadjian

Funciones:

Viernes 6,13,20 y 27 de noviembre a las 20.30 hs

Ciclo Improvisaciones en los 25 años del Rojas

Con el apoyo de:

“Improvisar es un movimiento continuo, un recorrido en permanente cambio donde explorar se torna vertiginoso. Supone un juego de operaciones realizadas en el instante mismo. Intervienen la casualidad, la concentración, la síntesis, el azar, la incertidumbre, la repetición, la intuición, el error, la adaptación, el cambio, la deriva. Atrapar ese instante en su fugacidad es lo que nos proponemos en este ciclo.”

Adriana Barenstein

Experiencias en Escena del CCBorges en los 25 años del Rojas. Ciclo Improvisaciones (a Horacio Pigozzi).

Se trata de una forma de homenaje vivo a los últimos años de la danza local , que se realizará en funciones diferentes, con programas únicos. También participan: Mariana Bellotto, Sergio Pletikosic, Juan Pablo Amato, Quio Binetti, rosa castilla, Bárbara Hang, Federico Moreno, Julieta Rodríguez Grumberg, Lía Mazza, Codazzi, Emiliano Formia, Ramiro Soñez, Victoria Viberti, Diego Franco, Nicolás Ferreyra, Diego Mauriño, Juan Veppo Valeria Polorena, Jimena Perez Salerno, Pilar Rodriguez Rey, Ana Clara Gossneiler y Nicolas Ferreira, entre otros.

1.“Y” Integrantes: Adriana Barenstein, Mariana Bellotto, Sergio Pletikosic, Quio Binetti, Juan Pablo Amato/ Diseño de luces: Eugenio Barenstein/ Sobre textos de Adriana Barenstein



2. Eso que la tierra y el cielo no logran hacer que persista El proyecto consiste en una improvisación conjunta de música, performance y video en tiempo real tomando como eje de la búsqueda la idea de loop o repetición. Los performers en escena se verán atravesados por una proyección, la cual será un elemento que combinado con el lenguaje musical (violin, voz) y el corporal construirá un único significante. La repetición se sucede en el tiempo a través de nosotros, sin embargo cada momento es efímero y el cambio inevitable. Un nuevo instante parece ocupar el lugar del anterior borrando parte de su rastro. ¿Pero qué pasaría si cada instante anterior no se borra sino que se convierte a su vez en presencia?
Rosa Castilla/ cantante - perfomerJulia Tchira / violin - performerFederico Gonzalez/ procesamiento sonoroPatricia Bova / procesamiento de videoBruno Lopez/ video feedback



3- Primera impresión Composición de danza y música en tiempo real (fragmento) La primera impresión es una imagen suspendida en el pasado que se actualiza en el presente. ¿se puede fragmentar el tiempo, puede perder su ininterrumpida continuidad, su dirección irreversible? ¿cómo afecta el factor tiempo en las posibilidades de construcción de (los) relato(s)? Intérpretes: Bárbara Hang, Federico Moreno, Julieta Rodríguez Grumberg, Lía Mazza/ Diseño sonoro: Mauro AP/Producción: Alexis Losada/ Dirección: Julieta Rodríguez Grumberg



4- Cía Móvil. Asociaciones Libres (improvisaciones para la obra Objetos ) La Cía Móvil está desarrollando una Residencia en Experiencias en Escena del CCBorges, destinada a la búsqueda de lenguaje y material para su próxima obra “Objetos” que estrenará a comienzos de 2010 y que obtuvo un subsidio a la creación de PRODANZA. Creación e interpretación de la danza: Mar Codazzi, Emiliano Formia, Ramiro Soñez, Victoria Viberti/ Creación e interpretación de la música: Marco Sanguinetti/ Iluminación: Adrián Cintioli/ Producción Ejecutiva: Solange Courel/ Dirección General: Inés Armas y Fagner Pavan


5-“Boxes o la carrea de tu vida”- Fragmento “En medio de una carrera de Formula 1, cuatro compañeros de escudería irán pasando por diferentes situaciones mientras esperan en los boxes a su piloto. El espacio se irá transformando a medida que el tiempo pasa y los personajes se descubren, dejando lugar a la sensibilidad del hombre en relación con el automóvil y la competencia”.Intérpretes: Diego Franco, Nicolás Ferreyra, Diego Mauriño y Juan Veppo/Producción: Solange Courel/ Idea original y dirección general: Exequiel Barreras/Diseño de escenografía y vestuario: Marta Albertinazzi/Realización de escenografía: Rodolfo Leal/Diseño de iluminación: Andrea Czarny, Cecilia Stanovnik/Música original y edición: Guillermo Senn/Asistente de coreografía: Alfonso Barón/Textos: Exequiel Barreras, Malena Medici e intérpretes/Diseño gráfico: Petre



6-No se puede vivir del amor La propuesta trata de mostrar al público, no un resultado final, sino una experiencia donde lo desarrollado por los artistas será improvisado a partir de pautas definidas que tienen como común denominador las relaciones amorosas. Una experiencia donde se pone el foco en lo sensorial e intuitivo. El público podrá disfrutar de un espacio que muchas veces pertenece a la intimidad del proceso creativo de una obra. Intérpretes:Valeria Polorena / Jimena Perez Salerno / Pilar Rodriguez Rey / Ana Clara Gossneiler / Juan Veppo / Nicolas Ferreyra / Diego Mauriño / Diego Franco / Producción: Solange Courel / Idea y Coordinación general :Exequiel Barreras/Fotografía: Helene De Jaham

Fechas: Jueves 24 a las 21hs

Sala Batato Barea CCRojas-Av. Corrientes 2038- CABA

Entrada: gratuita Importante: las entradas se retiran a partir de las 14hs en la Librería del Rojas. La capacidad es limitada.

Impromptu

La improvisación no se diferencia en lo esencial de la obra urdida en el pasado.
Toda obra sucede en el presente.

Y todo espectador la construye a su vez en su propia percepción, dejándola desaparecer luego del instante preciso en que sucede, erigiendo en su lugar una forma vaga: la suma de rasgos que delineó, sus voces altas y sus murmullos, colores, espacios, duraciones, texturas, gestos.
Pero es la suma de su recuerdo.

Improvisar: existir en el presente. Contemplar, aceptar, asir suavemente y luego dejar ir, permitir nuevas llegadas.

Deconstruir apenas en nuestra ilusión los designios del tiempo.

Ficha técnica:
Yesica Alonso
Julio Arias
Guadalupe Colman
Lucas Díaz
Nicolas Ferreira
Mariela Loza
Emanuel Ludueña
Verónica Maseda
Lia Mazza
Victoria Viberti
Piano:
Ignacio Gómez Bustamante
Fotos:
Tamara Ludueña
Noel Roffë
Paula Schilling
Dibujos:
Hernán Bermúdez
Iluminación:
Luciana Giacobbe
Asistencia general:
Sol Regal
Dirección:
Emanuel Ludueña

Funciones: viernes 16, 23 y 30 de noviembre a las 21 .

Precio $25 y $20 con descuento para estudiantes y jubilados

Adelantos: en noviembre "CAER"

un dúo de/por
Carlos Osatinsky y Fernando Nicolás Pelliccioli
(ARGENTINA/ALEMANIA)
el que osó superar/en el vuelo a los pájaros/
otra vez una cosa debe saber: ¡caer!
paciéntemente descansar/en la gravedad. (Rilke)


Caemos en gracia o en desgracia. Caemos en cuenta. Caemos enfermos o en una depresión. Caemos en el amor (en inglés: to fall in love). Perceptible o imperceptiblemente, caemos o algo nos cae encima. Paradigmas o sistemas caen y cambian súbitamente: hemos caído del paraíso de inocencia para vivir en esta vida terrena. Nuestros gobiernos y sistemas de creencias, nuestras ideologías caen para dar paso a otros gobiernos, otras creencias, otras ideologías. La bolsa de valores cae y desata una y otra vez pánico y crisis mundial. Recaemos y nos levantamos, o así pareciera ser. Buscamos comprender y describir esta caída. Incluso su misma descripción histórica como fenómeno físico cae y muta, evoluciona entre frustraciones e iluminaciones. Por temor a caernos, a perder el control y quedar atrapados en lo inevitable, avanzamos estáticos.

¿Y si permitiéramos la caída, si nos entregasemos a ese vacío? ¿Si en este constante devenir fuéramos con ojos abiertos hacia el encuentro de aquello original, único e irrepetible que anida en cada instante? ¿Y si este fuera el único y misterioso método?.

“CAER” es un dúo, dos cuerpos que comparten esta metáfora de exploración física y escénica junto a la presencia del espectador confinados en un mismo espacio de posibilidad. Como vehículo de algo que se expresa a través nuestro, que “cae” por medio de nosotros, “CAER” es este proceso de descubrimiento conjunto desde la performance y su realidad poética sobre lo que muta y permanece paradójicamente inmutable; sobre aquello que nos pone cara a cara con los misterios de la existencia y con su espejo: la creación artística. Sobre lo que nos enfrenta así, al fín y al cabo, con el vértigo y la calma del inevitable presente.

Ficha Técnica:
Colaboración artística:
Lilian Mirkin (Argentina)
Trinidad García Espinosa (Barcelona)
Intérpretes, espacio escénico, espacio sonoro y dirección general:
Carlos Osatinsky
Fernando Nicolás Pelliccioli.

Fotografías: Mercedes Appugliese

CAER es una creación independiente realizada con el apoyo de: M.U.N.T. (Museo de la Universidad Nacional de Tucumán) y de Fani Benages Arts Escéniques (Barcelona)
CAER ha sido fue creado en residencia en el M.U.N.T. (Museo de la Universidad Nacional de Tucumán, Argentina) durante marzo y abril del 2008. Ha sido presentado en el M.U.N.T.; El Navegatorio y La Usina (Madrid, España); Espacio Bretón (Barcelona, España.) y en K77 (Berlin. Alemania.)

Breve Biografia Conjunta
Fernando N. Pelliccioli, nacido en Buenos Aires, y Carlos Osatinsky, nacido en Tucumán (Argentina), son bailarines y coreógrafos residentes en la actualidad en Berlin, Alemania. Ellos se encontraron mientras cursaban los estudios en el Taller de danza Contemporánea del Teatro San Martín donde estudiaron, entre otros, con maestros como ser Haichi Akamine y Marina Giancaspro. Luego de sus respectivas experiencias como bailarines en diferentes compañías y coreógrafos en Argentina (Cia. de Danza Contempóranea del Teatro San Martín, Nucleodanza, Antikos, Sísifo Teatro Físico, Grupo de danza contemporánea de Tucumán, etc.), en el año 2000 viajan a Europa con el deseo de expandir sus experiencias profesionales y de vida. Alli profundizan sus estudios con maestros como ser Jeremy Nelson, Susan Klein, Emio Greco, David Zambrano, Angels Margarit, Roberto Oliván, Sasha Waltz, Los Ballet C. de la B., Luis Lara Malvacias.

Desde entonces trabajan como bailarines independientes y creadores en diferentes proyectos de la escena europea, principalmente en España, Bélgica, Suiza, Austria y Alemania junto a Tomi Paasonen, Anna Huber, Toula Limnaios, Davide Camplani, Trisha Brown, Roberto Oliván, Andres Corchero y Rosa Muñóz, Andrea K. Schlewein, Heike Hennig, Helena Lizari, entre otros.
A su vez, ellos transitan un camino de colaboración materializando diversas experiencias artísticas y educativas impulsados por la búsqueda de un lenguaje escénico de apertura y riesgo donde investigan diferentes modos de relación entre intérpretes, obra y espectadores. Sus últimos trabajos son “CAER”, “También Tan Poco”, improvisación en escena con 11 bailarines, “La Inmediatez de la Presencia Pura” y “Pido el Silencio”, creada para el Grupo de Danza Contemporánea de la Provincia de Tucumán, estrenados en diciembre del 2005 y “Winners” bajo la dirección de Helena Lizari en Barcelona, España.

Como educadores han dictado cursos y talleres en Kassel, Berlin, Barcelona, Granada, Madrid y en Argentina Buenos Aires, Jujuy y en numerosas ocasiones en la provincia de Tucumán. Han sido invitados a dictar clases en el Taller de Danza del Teatro General San Martín en Buenos Aires, y en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Tucumán.

Única Función:Jueves 26 de noviembre a las 20 hs

Entrada general $25.- Estudiantes y jubilados $20.-

Arí Axé: El eje sagrado

“Nos arrodillamos en el cielo
Y escogemos nuestro destino
Pero cuando llegamos a la Tierra
Nos impacientamos”
Odú de Ifá Babá Eyiogbé

Todos los domingos de agosto el grupo Odé presenta “Arí Axé : El eje sagrado”, en una puesta que combina expresiones de la danza y la literatura religiosa de origen africano en América. El espectáculo aborda la tradición religiosa afro-brasilera, rescatando de su repertorio movimientos, gestos y simbología relacionados con los distintos momentos de una ceremonia religiosa de Candomblé Especialmente, los que se realizan junto al poste central del templo -la representación del axis mundis (eje del mundo) que en esta religión lleva el nombre de arí axé -.
Haciendo un uso creativo de la tradición, las coreografías tradicionales afro-brasileras se entremezclan con movimientos de danza contemporánea, jazz, flamenco, capoeira y otros surgidos de la investigación coreográfica. El resultado es una combinación de ricas y complejas coreografías y el innovador repertorio musical creado por Fabián Tejada , Director del grupo Kamaruko de percusión argentina que se articulan con textos del cuerpo filosófico-literario de Ifá ( el oráculo sagrado Yoruba).

“ Arí axé es un propuesta de investigar, proyectar y enriquecer la danza afro, que no intenta reproducirla fielmente sino establecer un diálogo y un estado de comunión con las tradiciones afroamericanas”, explica Laura Rabinovich, a cargo de la dirección del espectáculo.


Funiciones: domingos 12, 20 y 27 de septiembre a las 20 h. Entrada $25 y $20 con descuento. Sala Norah Borges del C.C. Borges Viamonte 525.

Primera impresión

Composición de danza y música en tiempo real

La primera impresión es una imagen suspendida en el pasado que se actualiza en el presente. ¿se puede fragmentar el tiempo, puede perder su ininterrumpida continuidad, su dirección irreversible?

¿cómo afecta el factor tiempo en las posibilidades de construcción de (los) relato(s)?

Intérpretes:
Bárbara Hang
Federico Moreno
Juan Leiba
Julieta Rodríguez Grumberg
Lía Mazza
Música:
Jorge Grela / Mauro AP
Ilumninación:
Adrián Cintioli
Producción:
Alexis Losada
Dirección:
Julieta Rodríguez Grumberg

Funciones: 18 y 25 de septiembre a las 21

LLega: Mal Amor

Mal Amor es una historia de desamor contada en movimientos musicales.
El final de una en una casa casi vacía.
Una mujer que se marcha y un hombre que sufre y no soporta un nuevo abandono.

Todos los sábados de septiembre, octubre y noviembre se presenta "Mal amor" en el auditorio Norah Borges del Centro Cultural Borges. Se trata de un mediometraje teatral musical. Prescinde de la oralidad y se apoya en la música y la imagen. Es una historia sencilla. Un recorte en el final del final de una pareja. Una fotografía en movimiento para asistir a las emociones que se comprenden y a las que no se pueden compartir.

Mal amor es un mediometraje teatral musical. Una historia sencilla. Un recorte en el final del final de una pareja. Una foto en movimiento de las emociones que se comparten y también de las que no se pueden compartir.

El protagonista emotivo es un hombre mientras que las mujeres de la historia son sus objetos de amor deseados y perdidos. Para ser amadas cuando se alcanzan y aborrecidas cuando se alejan. Aunque la historia no es explícitamente una denuncia funciona como acento de un crimen que se reitera. Una muerte de las tantas que conllevan violencia de género.

Mujeres que viven en la intimidad actos cargados de violencia que se anuncia pero que muchas veces no se detienen.

Mal amor es un trabajo de montaje de muchas piezas para poner en movimiento algo que de todos modos está detenido en el instante que se termina. En el escenario se entreteje la proyección de video y la escena en vivo mientras la banda de sonido de la historia tiene un rol preponderante.

Solamente música.

Nadie canta, nadie dice, nadie explica.

Sala Norah Borges

Funciones: Sábados – 20.45 hs.

Localidades: $ 25 y $20 para estudiantes y jubilados.

Intérpretes:
Miguel Forza de Paul y Andrea Jaet
Participación especial: Carina Conti / Paul Mauch / Gloria Stingo / María Zambelli
Música original: Julián Massaldi
Escenografía y vestuario: Cecilia Zuvialde
Diseño de Luces: Fabricio Ballarati
Asistencia creativa y video: Gabo Baigorria
Colaboración audiovisual: Miguel Zeballos
Producción: Mónica Salerno
Dramaturgia y Dirección: Paula Bartolomé

Agradecimientos:

A Carina, Paul, Gloria y María por participar a pesar del frío y los madrugones.
A Cristian y Joel Drut, a Susana Pampín y a Vilma Rodríguez por los favores y la buena onda.
A Sergio Sorin por la innumerable cantidad de esfuerzos pasados y futuros.

A PROPOS SATIE

"Me llamo Erik Satie como todo el mundo”


ERIK SATIE (1866-1925) atravesó el desolado camino con gran valentía moral y encontró una vía consistente hacia el futuro sólo después de dejar la Schola Cantorum en 1912, ya que era un hombre de ideas que cuestionaba cada aspecto de la heredada tradición decimonónica y rechazaba sus conceptos de expresividad romántica y desarrollo temático. Fue el primero en desafiar la persistente influencia de Wagner en la música francesa y también paso de largo sin remordimientos por el impresionismo y por las seductoras sonoridades de Debussy y de Ravel. En muchos aspectos, su reinterpretación de los conceptos fundamentales que subyacen en el arte deriva más bien de escritores, escultores y pintores más que de algún compositor, aunque siempre era importante para él seguir en estrecho contacto con sus raíces en la música popular.


Sobre SOCRATE

La princesa Edmond de Polignac, de soltera Winnaretta Singer, que disponía de una orquesta de veinticinco músicos, y de un salón de música en el hotel de su propiedad, situado en la avenida Henri-Martin de París, encargó algunas obras, por lo general para recepciones privadas, a Igor Stravinsky Renard (el zorro), Manuel de Falla (el Retablo del maese Pedro) y Erik Satie La vie de Socrate (La vida de Sócrates).

A pesar que la princesa estudiaba griego, Satie tomó la determinación de utilizar una versión francesa de los Diálogos, y escogió deliberadamente la versión “menos lírica” de las existentes, la del filósofo espiritualista del Segundo Imperio, Victor Cousin.


Satie escogió tres diálogos de Platón, El Banquete, Fedro y Fedón, y seleccionó seis fragmentos del primero, tres de Fedro y por último, trece fragmentos de Fedón.
Al limitarse a unir estos fragmentos de los tres diálogos, distinguiendo su procedencia y conservando su orden de sucesión originario, sin añadir una sola palabra de su cosecha, Satie obtuvo un tríptico que pretendía mostrar, a la manera de los antiguos retablos, tres aspectos de la personalidad y el destino del filósofo.


En la primera parte nos presenta su retrato, en la segunda parte, su estilo de vida, simbolizado por un paseo a lo largo de un río en compañía de un joven discípulo; en la tercera parte, su manera estoica de morir.


Para impedir toda identificación de los intérpretes con los personajes –el filósofo y sus discípulos-, Satie pidió además que el reparto se confiara preferentemente a voces de mujer: cuatro sopranos, si era posible, a fin de obtener ínfimas variaciones de matiz en una misma tesitura.
La música de Socrate, “blanca e inmóvil como la Antigüedad”, no sufre, a lo largo de todo el relato dramático que la acompaña, ninguna alteración de carácter emocional.

“Sócrates es, creo, la obra mas importante que Satie escribió. Pero no me sorprende que mucha gente no termine de apreciarla del todo, porque es absolutamente nueva y original. Su innegable helenismo reviste una forma individual que era desconocida hasta ahora. La naturaleza de esto es difícil de definir y, para poder comprenderla, uno tiene que tirar por la borda determinados prejuicios musicales” […]
Charles Koechlin


“Erik Satie”, ReM, 5 de marzo de 1924, pp. 193




Sobre ENTR’ACTE

“Erik Satie, señores, es más joven que todos ustedes, lo que dice es ingenioso y divertido, y no pontifica con tintura roja en su pelo ni con los labios pintados. Ama la vida, la vida más bien sencilla, se atreve a tomar, se atreve a escribir su propia música, y es un placer para él hacerlo sin preguntarse si gustará o desagradará a la izquierda o a la derecha. Se atreve a vivir por su cuenta, no se prohíbe nada, no le prohíbe nada a nadie, a diferencia de esa gente que se rodea de una selecta camarilla para proteger sus ideas tan vacías como el apretón de manos de un político.
Eric Satie es, en mi opinión el compositor francés más interesante de nuestro tiempo, y si colaboro con él en su ballet titulado Relâche, es porque eso es lo que pienso de él, y porque lo considero más joven y más vital que muchos jóvenes caballeros que planean poner la vida como globos aerostáticos.”
Francis Picabia
“Eric Satie”, Paris Journal, 27 de junio de 1924, pp. 1

“Cuando lo conocí a Picabia, me explicó que quería que se proyectara un film entre los dos actos del ballet, como se hacía, desde 1914, durante los intervalos de los cafés concerts. Y yo era la única persona en la casa relacionada con el cine, la única persona a la que podían acudir.
En cuanto al guión, Picabia sólo sabía lo que había escrito sobre una hoja de papel con el encabezamiento de Maxim’s, y grande fue mi satisfacción cuando, al presentarle el film completo, lo escuché reírse de lo que yo había añadido.
Y Satie, ese viejo maestro de la música joven, anotó cada secuencia con un cuidado meticuloso y así preparó la primera composición escrita para el cine “secuencia a secuencia”, en una época en la que los films eran todavía mudos”
René Clair
À nous la liberté y Entr’acte (London, Lorrimer, Lorrimer Publishing, 1970), pp. 108-11


- René Clair (1898-1981) es conocido como uno de los más grandes directores de cine. Su carrera comenzó con Paris qui dort en 1923, y continuó con el episodio cinematográfico entre los actos de Relâche. Esta fantasía surrealista concentró a muchos de los nombres más famosos de la París vanguardista, desde Marcel Duchamp y Man Ray hasta el propio Satie, que fue filmado disparando un cañón desde el techo del Théâtre des Champs-Élysées en junio de 1924. Clair por lo general escribía sus propios guiones, pero en el caso de Entr’acte un breve guión fue suministrado por Picabia. Clair era también un consumado periodista y actor -



Viernes 4 y 11 septiembre – 21.30 hs
Centro Cultural Borges
Viamonte esq. San Martín
Entrada general $ 20 y $ 15 con descuento para est. y jub.

Un ciclo regido por el vértigo de explorar

En Experiencias en escena, del Borges

Escribe: Constanza Bertolini

Algunos espacios de arte tienen construida una imagen, un concepto, una línea que se presenta inequívoca en el imaginario de la gente con sólo nombrarlos. Otros, como el Centro Cultural Borges, no. En él conviven estéticas y disciplinas muy variadas, que no pueden identificarse ni con una corriente ni con una audiencia ni con un estándar de producción. Sin embargo, de todas esas salas que habitan el shopping Galerías Pacífico, hay una que da la nota: la Norah Borges, en el segundo piso, donde reside Experiencias en escena. Allí existe un tutor, un eje que atraviesa sus propuestas: explorar nuevas miradas en relación con las artes escénicas, alentando el cruce.

La curaduría de ese rincón perfilado del Centro Cultural Borges corresponde a Adriana Barenstein y, en consecuencia, la danza tiene un sitio especial, tanto con referencia a talleres y espectáculos, como con el ciclo de improvisación, uno de los pilares del lugar. Debajo de ese paraguas, donde intervienen factores como la casualidad, la síntesis, el azar, la intuición, el error y la deriva, el jueves último se presentó No se puede vivir del amor, improvisaciones a partir de situaciones de pareja, una propuesta ideada por Exequiel Barreras, que seguirá desafiando las coordenadas de la casualidad y el movimiento -por supuesto, con algunas premisas férreas- los siguientes jueves de este mes, a las 20.30.

El cordobés, de 25 años, acaba de llegar de Europa, donde en los últimos meses participó, en distintas ciudades, de experiencias enriquecedoras. Por ejemplo, del programa de entrenamiento coreográfico Siwic, en Zurich, hoy dice que fue "por lejos, la experiencia más interesantes y hermosa" de su carrera. Este paso del inquieto Barreras por Buenos Aires es apenas un stand by en su ruta internacional: con la visa alemana ya emitida, se integrará en septiembre a la compañía de danza de Coburg, Alemania.

Volviendo a la propuesta con título (y finalmente música) de Andrés Calamaro, a partir de determinadas pautas físicas son diez strangers in the night los que, en primera instancia, se revuelcan con Frank Sinatra en el punto de partida de este trabajo que, por sobre todo, es fresco. En parejas intercambiables, homo y heterosexuales, que pueden devenir tríos o cuartetos amorosos, un portero, un nadador con medalla, una oficinista, un farmacéutico, una camarera, un oficial de tránsito, un recolector de basura..., en suma, la decena completa de personajes, alterna su protagonismo mientras se entretejen cuadros muy intensos con situaciones de humor y otras que subrayan el sentido lúdico de este tipo de apuestas. Porque, al fin y al cabo, de eso se trata la improvisación, de un juego (para entendidos), donde el que no arriesga no gana. "Un juego de operaciones realizadas en el instante mismo -dice Barenstein-. Atrapar ese instante en su fugacidad es lo que nos proponemos en este ciclo".
Constanza Bertolini

Diario La Nación.
Sección Espectáculos
Miércoles 12.08.2009

NO SE PUEDE VIVIR DEL AMOR

Improvisaciones a partir de situaciones de parejas.

integrantes:

Bailarinas
Victoria Hidalgo
Victoria Viberti
Valeria Polorena
Jimena Perez Salerno
Pilar Rodriguez Rey

Bailarines
Juan Veppo
Nicolas Ferreyra
Diego Mauriño
Diego Franco
Facundo Rubiño
Exequiel Barreras
Foto de Helene De Jaham.
Produccion Solange Courel
Idea y Coordinacion general EXEQUIEL BARRERAS

www.youtube.com/exebarreras

Boxes o la carrera de tu vida

“Tengo miedo de la muerte y el dolor, pero convivo con eso. El miedo me fascina.” A. Senna
Idea original y Dirección General: Exequiel Barreras“En medio de una carrera de Formula 1, cuatro compañeros de escudería irán pasando por diferentes situaciones mientras esperan en los boxes a su piloto. El espacio se irá transformando a medida que el tiempo pasa y los personajes se descubren, dejando lugar a la sensibilidad del hombre en relación con el automóvil y la competencia”.

FICHA TÉCNICA:
Intérpretes: Diego Franco, Nicolás Ferreyra y Diego Mauriño.Diseño de escenografía y vestuario: Marta Albertinazzi.Realización de escenografía: Rodolfo Leal.Diseño de iluminación: Andrea Czarny, Cecilia Stanovnik.Música original y edición: Guillermo Senn.Entrenamiento actoral: Malena Medici.Coreografía: Exequiel Barreras.Asistente de coreografía: Alfonso BarónTextos: Exequiel Barreras, Malena Medici e intérpretes.Diseño gráfico: PetreTécnica sonido y luces: Flavio CarabajalProducción Ejecutiva: Solange Courel.Idea original y dirección general: Exequiel Barreras

Entrada general $ 20 y $ 15 con descuento para est. y jub.

Funciones: domingos 23 y 30 de agosto a las 20 y el domingo 6 de septiembre.

Adelanto: En septiembre se inaugura la muestra Identikit

Nuevo Proyecto Residencia Coreográfica

En el 2009, la Cía Móvil (danza/teatro/música) con la dirección de Inés Armas y Fagner Pavan realizará una Residencia Coreográfica en el marco Experiencias en Escena.
Laboratorio para la obra ObjetosCía Movil se propone trabajar a modo de Laboratorio de Investigación de movimiento en relación a lo musical y lo teatral; y emprender una búsqueda hacia nuevas formas de comunicación de las artes escénicas. El proyecto tiene como objetivo además, finalizar esta búsqueda y proceso de creación a través de una obra que pueda reunir lo investigado en danza contemporánea, música en vivo y teatro.

Muestra Identikit

Instalaciones y acciones en loop

Expondrán: Valeria Alcibar/ Evangelina Cueto/ Martín Gromez/ Claudio Mattos/ Santiago Orti/ Julia Martinez RubioCoordinación y montaje: Sofía Medici y Virginia Mihura
Autorretratos desarrollados a partir del Seminario Intensivo "Plagio, o el reciclaje en escena".
Nota: Se puede ingresar a la muestra en cualquier momento dentro del horario de la misma. El recorrido dura entre 20 y 40 minutos.

Ciclo Improvisaciones "Y" la presencia extrema de lo posible

adriana barenstein y sergio pletikosic y julia quintiero y juan pablo amato y quio binetti y jehan roberson y jordan stockdale y eugenio barenstein (diseño de luces)Fotografia: santiago ortus Entrada general $ 20 y $ 15 con descuento para est. y jub.

Horarios: Sábados 4 y 11 de julio a las 21 hs.

La concepción del Tiempo Imaginado

“Volver al momento enque se tiene que contar algo”

Todos los viernes a las 21 se presentas esta obra que nació como un trabajo de integración final del Taller de danzas del teatro Gral. de San Martín y siguió como una obra consolidada que tuvo su estreno el año pasado en el marco del Festival Rojas-Danza en el C.C.Ricardo Rojas.

El espectáculo nace de la búsqueda de movimiento en espacios restringidos y en lugares socialmente inoportunos. Desde ahí se construye un análisis del tiempo y su relación con el espacio y la luz. A partir de esto se propone un juego de interacción con el espectador, tomando como eje “la mirada” ¿Qué se quiere ver y que no? ¿Qué muestra la luz y qué oculta? Durante la función, los intérpretes manejan móviles que iluminan la escena dejando ver o no la acción y el movimiento producido en distintos espacios que ellos mismos construyen.

El espectáculo es una propuesta performática en el cual el público participa en su labor de observador teniendo linternas para que sean parte de esta construcción, y decidiendo aquello que quieren ver. También el espectador tiene la posibilidad de utilizar sus teléfonos celulares para hablar o hacerlos sonar.

La obra se concibe en el momento que sucede, a través de la construcción que, sus personajes y el espectador mismo realizan juntos en el espacio. “La Concepción del tiempo imaginado” está continuamente naciendo para volver, justamente, al momento en que se tiene que contar algo.

Ficha Técnica
Grupo: “Vuelve en Julio”Dirección: Iván HaidarAsistente de dirección: Natalia Maldini
Intérpretes: Natalia Maldini, Iván Haidar, Casper Uncal, María Clara Rodríguez
Duración: 40 minutosMúsica: Luciano Berio, Bobby Mac Ferrin
Compaginación y arreglos musicales: Iván Haidar, Camila Morchio.
Iluminación y diseño de vestuario: Iván HaidarOperador técnico: María Eugenia Di Vece
Fotografía: Ana Bertoldi, Juan Pablo Gonzales
Entrada general $ 20 y Jub. y Est. $ 15

“La metamorfosis: el cambio final”

Inspirada en "La metamorfosis" y "Carta al Padre" de Franz Kafka

"Al despertar Gregorio Samsa una mañana, tras un sueño intranquilo, se encontró en su cama convertido en un monstruoso insecto".

Un recorrido dramático por las metáforasde Samsa y Kafka,confundidos en hombre y personaje,en teatro y danza.La transformación no puede detenerse:todo lo abarca y conducehacia el destino final.

Trayectoria y Calendario de Presentaciones

“La metamorfosis: el cambio final”:-Fue nominada a los “Premios Trinidad Guevara 2007/8” en el rubro Coreografía. -Ha sido subsidiada por “ProDanza”, organismo para el fomento de la danza no oficial dependiente del Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.-Está auspiciada por la Embajada de la República Checa en Argentina.-Participó del Festival “Escenario Porteño 2007” organizado por el Instituto Nacional del Teatro habiendo sido seleccionada entre las 12 mejores obras teatrales de la Ciudad de Buenos Aires durante dicho año.-Participó del Festival de Danza Independiente “COCOA 10 años” realizado en la Ciudad de Buenos Aires entre Junio y Noviembre de 2008 con motivo del festejo del décimo aniversario de esta asociación que reúne a los artistas y profesionales independientes de la danza contemporánea de toda la República Argentina y donde participan también elencos internacionales (www.cocoadatei.com.ar).-Realizó sus dos primeras temporadas 2007-2008 en el Teatro “La Manufactura Papelera” (Bolívar 1582 – San Telmo – Buenos Aires – Argentina).-Comenzará su tercera temporada en Mayo de 2009 en el Centro Cultural Borges-

FICHA TÉCNICA

Actor: CARLO ARGENTO

Piano: ESTEBAN ROZENSZAIN

Participación especial en off: POMPEYO AUDIVERT, SILVINA BOSCO, MARZENKA NOVAK, ALEJANDRO URDAPILLETA

Autores: VIVIAN LUZ, LAURA FERRARI, CARLO ARGENTODramaturgia: LAURA FERRARI

Idea, Producción y Música Original: ESTEBAN ROZENSZAIN

Escenografía: LISANDRO AGUILERA, CANDELA AGUILERA, ETELVINA TOLEDO

Vestuario: GRACIELA GLOVER

Diseño de Luces: CARLO ARGENTO

Diseño Gráfico: JORGE LÓPEZ

Grabación y Edición Sonido: RAMIRO PETTINA

Asistente: ETELVINA TOLEDO

Coreografía y Dirección VIVIAN LUZ

LAURA FERRARI / CVDramaturgaProfesora de Letras, Dramaturga, Guionista. Sus trabajos como guionista en televisión: “Mi Cuñado”, “De Corazón”, “Señoras sin Señores”, “Milady”, “Campeones”, “Todos Santos”, “Latin American Idol” (Sony Entertainment Television); entre otros. En Cine: Guionista de los largometrajes: “Con vos” (Dirección Carlos Galettini. Producción Marco David, en preproducción); “El Nominado” (dirección: Nacho Argiró y Gabriel López); “Sueños Acribillados” (telefilm, dirección Carlos Galettini, Premio INCAA); entre otros. En Teatro: autora de: “Todo el mundo ama lo que mata”; “Sol eterno”; “Ellas en mí”; “Los sueños de Shakespeare”; “La Metamorfosis: el cambio final”;entre otras. Dicta clases de Guión Inicial y Guión Avanzado en la Universidad de Palermo.ESTEBAN ROZENSZAIN / CVCompositor-PianistaPianista, director musical, compositor, arreglador y docente dentro de la enseñanza artística. En sus comienzos estudió órgano electrónico en las Academias Yamaha y piano con Eduardo Pugliese. En marzo de 2004 egresó como Profesor de Artes en Música con especialización en Piano en el Conservatorio Superior de Música Manuel de Falla. Paralelamente estudió folklore con Hilda Herrera, jazz con Santiago Giaccobe, armonía de música popular con Marcelo Braga y Audio Digital con Sergio Blostein. Actualmente se encuentra finalizando la Licenciatura en Artes con orientación en Música en la Facultad de Filosofía y Letras de la UBA. Obtuvo el primer puesto en el Concurso de Música de Cámara "Manuel de Falla 2002" junto al saxofonista Fabio Goy. Ofreció recitales de piano y música de cámara en el Teatro Gral. San Martín, la Casa de la Cultura de la Ciudad de Bs. As. y las Salas J. B. Alberdi y Enrique Muiño del Centro Cultural Gral. San Martín, entre otros. Realizó performances interdisciplinarias junto al artista plástico Lisandro Aguilera en diversos espacios culturales reconocidos. Pianista y director musical en Clásica y Moderna, La Scala de San Telmo, La Manufactura Papelera, Espacio Artístico Collette (Paseo La Plaza), BAC (British Arts Centre), La Biblioteca Café y Teatro Arlequino dentro de los espectáculos "C´est le paradis", "De música y musas", "Los musicales de Londres en Concierto", "Canciones de la calle Broadway", "Historia del Teatro Musical (partes I, II y III)" entre otros. Actualmente su interés se centra en proyectos de carácter interdisciplinario (música-danza-plástica-teatro) abarcando la composición, grabación de bandas sonoras e interpretación en vivo de manera conjunta. CARLO ARGENTO / CVActorActor, director, autor, integrante del grupo "Carne de Crítica". Estudió actuación con Rubens Correa, Lorenzo Quinteros, Pino Solanas, Silvia Vladimivsky (danza teatro), Susana Di Gerónimo, entre otros. Canto con Oscar Ruiz, Jacqueline Sigaut, entre otros. Danza con Manuel Vallejos, Vivian Luz. Tango con Susana Miller, Luz Valbuena, Edith Bernatene, entre otros. Técnicas corporales con Lía Rueda, Gerardo Finn, entre otros. Sus trabajos como actor en teatro: "La metamorfosis: el cambio final", "Los sueños de Shakespeare", "Nos los artistas", "Bodas de Sangre", "Van Gogh", "La Duarte"; "El nombre otros tangos" (Teatro por la identidad (Argentina), Festivales en Italia, España), "Emma Zunz" e "Historias" (en Italia y Argentina); en el Teatro Nacional Cervantes: "El Pasajero del Barco del Sol", "Los indios estaban cabreros" y "Los siete locos"; también en el teatro de la Ribera: "Once corazones"; "Lucia la maga", "Madre Esperanza" (Teatro por la identidad), "Hombre en la puerta giratoria", "Marat Sade", "La Tempestad", "Kolbe", "Así que pasen cinco años", "La fiesta del hierro", entre otros. Sus trabajos como director: "Carne de Crítica" (nominado mejor espectáculo Café Concert premios Ace 2002), "Dignos de Lástima" (nominado mejor espectáculo de humor premios Ace 2004), "Correte que Chorrea" (nominado mejor espectáculo de humor premios Ace 2005), "Aguachenta", "Lo frío y lo caliente" (nominada Premios Florencio Sanchez), “Subió la carne”.

VIVIAN LUZ / CVDirectora-CoreógrafaCoreógrafa, bailarina y profesora de danza contemporánea ha desarrollado, una labor ininterrumpida en el área de la investigación y experimentación del movimiento. Formada en técnica clásica y luego perfeccionada con el maestro Alfredo Gurkel, Ana Marini y Gloria Kazda. Estudió danza contemporánea (técnicas Graham, Nikolais y heterodoxas) con Ana Kamien, Renate Schotellius, Ana Itelman, Bellini, Adriana Coll, Freddy Romero, Susana Ibáñez, Graciela Concado, Moira Chapman y Lía Jelín. Teatro con Pompeyo Audivert, Susana Torres Molina y Javier Margulis; y canto con Marga Grajer. Se aproximó a técnicas alternativas como Tai-chi chuan y swásthya yôga. Debutó como bailarina en 1969 en la compañía de Ana Kamien y una década después se inició como coreógrafa. Actuó en los pricipales escenarios y centros culturales de Buenos Aires dedicados a la danza no oficial. Sus obras revisten un carácter más conceptual que narrativo y tienen una fuerte intención visual. Incursionó en la realización de video danza y realizó coreografías para obras de teatro, participando como actriz bajo la dirección de Julio Ordano. Actualmente es miembro de la comisión directiva de Cocoa (coreógrafos contemporáneos asociados), se dedica a la docencia en su propio estudio y en el de Julio Boca. Sigue desarrollando el trabajo de investigación con su compañía "Los celebrantes" creada en 1989, apuntando a una síntesis entre el movimiento,la actuación y la propuesta plástico escénica. Son sus obras más destacadas: "Desencuentros" (1981), "El Carro" (1982), "De los senderos que se bifurcan" (1984), "En la orilla" (1985), "Textos otros y otros textos" (1986), "En obra" (1993), "Rara avis" (1994), "Deldeberes y ostracios" (1997), "Anatomía violenta" (1998), "Elipsis" (2000), "Redada" (2002), “Vivita” (2006).

Horario:Sábados de mayo y junio a las 20:30hs.

Entrada general: $25 con descuento $20

Seminario: Plagio o Reciclaje en escena

Elementos extra-teatrales como herramientas para la creación escénica.

Profesora: Sofía Medici

Prácticas como el “cover” musical, la remake cinematográfica, el playback y el karaoke, son tomados como base para imitar su técnica utilizando textos, fotografías y videos. La imitación es una práctica, desacreditada y desaprovechada y sin embargo muy rica para llegar a resultados (paradójicamente) originales.

El seminario se define como un laboratorio, en donde se trabajará en relación a la producción escénica y visual a partir del reciclaje de elementos cotidianos y mediáticos, sean artísticos o no. Asimismo se incluirá la utilización de tecnología de fácil acceso y hogareña como un recurso de fácil acceso, investigando y poniendo a prueba algunas de sus múltiples posibilidades de implementación escénica. Para enriquecer el marco conceptual de la experiencia, se expondrán algunos textos teóricos y se presentará, a través de material audiovisual y/o fotográfico, fragmentos de obras de diversos artistas en donde se manifiestan los aportes de elementos extraídos de la vida cotidiana para la creación propia.

Sofía Medici es Directora, performer y artista audiovisual. Licenciada en Ciencias de la Comunicación, paralelamente estudia actuación y más tarde realiza seminarios y talleres de performance y nuevas tecnologías en escena.

De 2002 a 2004 se traslada a Barcelona donde funda el grupo Xixicas junto a Betine Waengertner y Virginia Mihura. Individualmente y con el grupo desarrolla proyectos de teatro, performances e instalaciones en España, Argentina, Alemania, Estados Unidos, Polonia y la República Checa.

Sus proyectos han sido presentados, entre otros, en La Casa Encendida (Madrid), Ebent 03 (Festival Internacional de Performance. Barcelona), Prague Fringe Festival (Rep. Checa), BAC!04 (Festival Internacional de Arte Contemporáneo. CCCB. Barcelona), Centro Cultural Ricardo Rojas, Estudio Abierto Av. De Mayo y Puerto Madero, Centro Cultural Borges, Teatr Rozmaitosci (Varsovia), el Centro Cultural Recoleta, la Galería Arte x Arte y el festival Diskurs08 (Giessen, Alemania).Realizó residencias en el Watermill Center (New York 2006-2007), dirigido por Bob Wilson; la Mobile Academy en Varsovia (2007) y en Atelier 07 en Giessen, Alemania.Actualmente investiga sobre los límites en la representación y los espacios entre la realidad y la ficción como asistente artística del espectáculo-documental “Mi vida después”, dirigida por Lola Arias (estreno: marzo de 2009, Teatro Sarmiento), y a través de su nuevos proyectos: “Rockola” y “Hecha la trampa”

Horario:miércoles de 19 a 21 hs

Inicio: 15 de abril de 2009

Duración:2 meses (con posibilidad de extenderloun mes mas para el armado de una muestra)Arancel: $ 120.- por mes

Tiempos Reales

Profesor Juan Pablo Amato

Workshop sobre nuevas tecnologías para la escena Investigación y producción.

“El tiempo huye y nos arrastra consigo. Este momento en que yo hablo se ha ido ya" N. Boileau

En los últimos años se han ido incrementando significativamente los usos de las nuevas tecnologías en la escena. La utilización de sensores, la programación de comportamientos, el procesamiento de distintos tipos de datos y la generación de una amplia variedad de eventos de salida han venido a aportar una infinita gama de posibilidades.

Luces, imágenes, sonidos y música cobran una nueva vida, actúan e improvisan.Ahora bien, ¿cómo pueden integrar actores, bailarines y performers, directores y coreógrafos, sus propias problemáticas con las de estas nuevas tecnologías? ¿qué implica “tiempo real” para ellos y qué implica para los dispositivos tecnológicos? ¿qué puede llegar a implicar para un público?El objetivo del workshop es abrir un ámbito para la experimentación, la reflexión y la producción con nuevas tecnologías vinculado a la propuesta de Experiencias en escena.

Serán dos encuentros intensivos en los que se dispondrá de un espacio preparado para performance e improvisación utilizando dispositivos tecnológicos. Se investigarán sus posibles usos y se discutirán los resultados obtenidos.

Juan Pablo Amato concentra su actividad en la composición musical, el diseño sonoro y la programación multimedial. Sus trabajos se han orientado a la instalación sonora, composición electroacústica, banda sonora, instalación audiovisual, intervención urbana, performance y desarrollos interactivos: http://www.jpamato.com.ar/

Horario:Domingos 19 y 26 de abril de 15 a 18hs.
Arancel: $ 90.- 2 clases.$ 50.- 1 clase.

El actor constructor

A cargo de los Profesores: Inés Armas & Fagner Pavan

Curso de interpretación para actores, bailarines o estudiantes de danza o teatro, o personas interesadas en abordar un lenguaje escénico que involucre el cuerpo y la acción.

El curso

El trabajo consiste en desarrollar un sistema de construcción basado en los principios del método Stanislavsky, núcleo esencial de la representación teatral.El actor se constituye como un sujeto activo en la estructuración de su trabajo de intérprete, partiendo del análisis y comprensión de la propia naturaleza humana y del conocimiento de su cuerpo y de sus posibilidades físicas.

El cuerpo constructor
La primera parte de la clase, dictada por Inés Armas, consiste en un trabajo de conocimiento del cuerpo y análisis del movimiento a través de la percepción, utilizando elementos de danza contemporánea. Se trabajarán ejercicios de respiración, elongación, fuerza y coordinación, indagando en las variaciones en el tono muscular, en el concepto de centro y en los motores de movimiento. Se desarrollarán secuencias de movimiento simples, con el objetivo de trabajar la memoria física, la generación de automatismos, la precisión en la forma, las variaciones rítmicas y calidades de movimiento. Todas estas variables se relacionarán con la construcción de personaje y de escenas.

El actor:
La segunda parte de la clase dictada por Fagner Pavan consistirá en un estudio detallado de cada uno de los puntos del sistema Stanislavsky.Se trabajarán pautas de improvisación aplicando cada uno de los principios estudiados y se trabajarán algunos textos, para construir escenas y personajes.

Fagner Pavan esta formado en el curso técnico de actor del Centro de Comunicación y Artes de SENAC/SP, San Pablo (Brasil) desenvuelve trabajos en la Cía 7Cênico desde 1999, con Wolney de Assis y Berta Zemmel como actor, director y guionista de cine. Sus principales trabajos en teatro fueron: “No Escuro” bajo la dirección de Cleiton Pereira (2005); “Hécuba” (tragedia) de Aristóteles bajo la dirección de Ester Góes (2004); “Electra” de Sófocles bajo la dirección de Berta Zemmel (2004); “Cecéu- El Agitador” (drama) de Wolney de Assis y Fagner Pavan, dirección de Wolney de Assis.Fue asistente de dirección en lo espectáculo “El Marinero” de Wolney de Assis sobre la obra de Fernando Pessoa (1998).En Cine, participó de diversos cortometrages, como “Ladrón” (protagonista), de Arlindo de Almeida(participando del 12º Festivalde cortos de San Pablo); y “Meninos Nao Sben Voar”; dirección de Humberto Hokama..Son de su autoría, el guión de cine “Beatriz”- largometrage en etapa de pre-producción-; y “Pipa”- corto metrage.Actualmente está dirigiendo el espectáculo “A chave” (“La llave”), dramaturgia de Wolney de Assis y Fagner Pavan con actuación de Wolney de Assis obra que estreno en 2007.Como docente, dicta clases de teatro y expresión corporal desde 2002 en la escuela 7CÊNICO, coordinada por Berta Zemmel y Wolney de Assis y en el Sindicato de Actores de Sao Paulo.En 2006, junto a la bailarina argentina Inés Armas, funda la Cía Movil, para proponer através de la danza y el teatro otras posibilidades de expresión escénica. Obtienen un susbsidio para la obra “Los procesos de Franz” basada en textos de Franz Kafka que se presentó en El Centro Cultural Borges de Buenos Aires y en el Festival Cocoa 10 años. Esta obra fue destacada por los Premios Teatro del Mundo 2008 que entrega la Universidad de Buenos Aires como mejor espectáculo coreográfico.

Inés Armas: Inició sus estudios de danza en la Escuela Municipal de Rosario y continuó formándose en danza contemporánea en el Taller de Danza del Teatro San Martín de Buenos Aires, donde sus principales maestros fueron Freddy Romero, Norma Binaghi, Renate Schottelius, Ana María Stekelman, Haichi Akamine , Alejandro Cervera y Andrea Chinetti.Completó su formación tomando cursos en la Escuela Graham y Alvin Ailey de New York y obtuvo la beca Dance Web Europe para estudiar en Viena en 2004.Integró el Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín, bajo dirección de Mauricio Wainrot.Desde 2001 participa de distintos proyectos en el ámbito de la danza de Buenos Aires:Cía Miguel Robles, (obras Tabula Rasa, Something Beneath, Fratres, Maldita Tierra Bendita) participando de festivales nacionales e internacionales.Desde 2002 trabaja junto a Carlos Trunsky como asistente coreográfico y como intérprete de sus obras “Incandescente”, “Las tres B de Beethoven” (2005), y “Voraz” (2006).Interpretó también “Tierra de Mandelbrot” de Edgardo Mercado con la que participó del 5º Festival Internacional d eBuenos Aires, y de la Bienal de Lyon (Francia) 2006.Fue convocada por los coreógrafos Luis Garay (“Hay en mí formas extrañas”), Ramiro Soñez (Fragmentos de Existencia), y Rodrigo Pardo (“Cuadrado negro sobre fondo negro”)Realiza su primera dirección con “A Medias” junto a Ana Armas, estrenada en el Centro Cultural Rojas; y organiza desde 2005 los eventos “Danza Diseño” en donde explora con pequeños trabajos escénicos.Como docente dicta clases en el Taller de San Martín, en el IUNA y en forma particular.Dirige desde 2005 el proyecto Danza Diseño, generando junto con un grupo de jóvenes bailarines encuentros performáticos y espectáculos de pequeño formato. Danz Diseñio se propone llevar la danza a espacios escénicos alternativos teniendo como objetivo el crecimiento artístico y el intercambio creativo con otras expresiones artísticas y con públicos diversosEn 2006 forma junto al actor y director brasileño Fagner Pavan, la Cía Móvil, proponiéndose investigar desde la danza y el teatro, otras posibilidades de expresión escénica. Obtienen un subsidio de PRODANZA para realizar la obra “Los procesos de Franz” que fue estrenada en abril de2008 en el Centro Cultural Borges de la Ciudad de Buenos Aires y participó del Festival Cocoa 10 años.

Horario:sábados de 12 a 15 hs.
Clase Abierta de Presentación del Curso: Sábado 4 de Abril de 12 a 15(solamente previa inscripción por e-mail a ciamovil@gmail.com)
Inicio:abril de 2009
Duración:3 meses. Una clase semanal de 3 horas.
Arancel:$ 150.- por mes
Destinado a: actores, estudiantes y público en general.

Cine Experimental

Profesor Orazio Leogrande

El curso ofrece un panorama del cine experimental internacional desde los inicios del siglo XX hasta el presente. En cada clase se desarrollará una unidad temática – un periodo, un autor o un movimiento – buscando descubrir a través de la proyección de material fílmico aquel espacio del cine definido como experimental, que se distingue tanto del cine de autor como del videoarte. Se presentarán en una perspectiva histórico-crítica no solamente los directores más destacados del cine experimental sino también aquellos menos conocidos o más complejos. Se partirá de las obras del cine de vanguardia (Luis Buñuel, Jean Cocteau, Marcel Duchamp, Dziga Vertov, Jean Vigo, Joris Ivens) para atravesar el underground estadounidense (Stan Brakhage, Maya Deren, Kenneth Anger, Jonas Mekas, Robert Kramer, Hollis Frampton, Harry Smith), los autores que se sitúan luego o al costado de la Nouvelle Vague (Guy Debord, Jean-Marie Straub y Danièle Huillet, Jean Eustache, Philippe Garrel, Chantal Akerman), las visiones excéntricas del cine italiano (Carmelo Bene, Alberto Grifi, Angela Ricci Lucchi y Yervant Genikian, Daniele Ciprì y Franco Maresco) y del este (Aleksandr Sokurov, Apichatpong Weerasethakul), para analizar finalmente las obras más innovadoras de Jean-Luc Godard, Andy Warhol y Chris Marker.

Plan de Clases

1) Cine de vanguardia: Luis Buñuel, Jean Cocteau, Marcel Duchamp, Dziga Vertov, Jean Vigo, Joris Ivens.
2) El underground estadounidense: Stan Brakhage, Maya Deren, Kenneth Anger, Jonas Mekas, Robert Kramer, Hollis Frampton, Harry Smith.
3) Quince minutos de celebridad. El cine de Andy Warhol.
4) Lejos de la Nouvelle Vague: Guy Debord, Jean-Marie Straub y Danièle Huillet, Jean Eustache, Philippe Garrel, Chantal Akerman.
5) Representar la palabra. Las últimas obras de Jean-Luc Godard.
6) Visiones excéntricas del cine italiano: Carmelo Bene, Alberto Grifi, Angela Ricci Lucchi y Yervant Genikian, Daniele Ciprì y Franco Maresco.
7) Viento del este: Aleksandr Sokurov y Apichatpong Weerasethakul.
8) Chris Marker o del film-ensayo.

Filmografía

1. Luis Buñuel (Un chien andalou), Jean Cocteau (Le sang d’un poèt), Marcel Duchamp (Anemic cinema), Dziga Vertov (El hombre con la cámara), Jean Vigo (À propos de Nice), Joris Ivens (Lluvia)2. Stan Brakhage (Anticipation of the night), Maya Deren (Meshes of the Afternoon), Kenneth Anger (Scorpio Rising), Jonas Mekas (Walden), Robert Kramer (Milestones), Hollis Frampton (nostalgia), Harry Smith (Heaven and Heart Magic)3. Andy Warhol (Empire, Vinyl, Chelsea Girls, Blue Movie)4. Guy Debord (Hurlements en faveur de Sade, La Société du spectacle, In girum imus nocte et consumimur igni), Jean-Marie Straub y Danièle Huillet (Chronik der Anna Magdalena Bach), Jean Eustache (Une sale histoire), Philippe Garrel (Le Révelateur, La Cicatrice intérieure), Chantal Akerman (News from Home, D’Est)5. Jean-Luc Godard (Histoire(s) du cinéma, L’origine du XXI siècle, The Old Place, Liberté et patrie, Je vous salue Sarajevo, Dans le noir du temps)6. Carmelo Bene (Nostra signora dei turchi, Salomé), Alberto Grifi (Verifica incerta), Angela Ricci Lucchi y Yervant Genikian (Prigionieri della guerra), Daniele Ciprì y Franco Maresco (Enzo, domani a Palermo, Grazie Lia)7. Aleksandr Sokurov (Elegía de un viaje, Voces espirituales, Confesión), Apichatpong Weerasethakul (Luminous People, Emerald)8. Chris Marker (La jetée, Le Mystère Koumiko, Le Fond de l’air est rouge, Sans soleil)
Orazio Leogrande es un cineasta y escritor italiano. Vive en Buenos Aires. Se graduó en letras en la Universidad La Sapienza de Roma y se especializó en la Universidad de Paris 8 – Saint Denis y en el CFP del sindicato del cine de Buenos Aires. Fue adjudicado las becas Erasmus, Bollenti Spiriti y Principi Attivi. Ha editado y traducido del francés al italiano La porta dei sogni de Marcel Schwob y Due o tre cose che so di me. Scritti e conversazioni sul cinema de Jean-Luc Godard. Colabora con la revista Lo straniero y ha fundado la asociación cultural Marginalia, con la cual organiza conferencias y exposiciones, aparte de realizar como docente cursos teóricos y prácticos sobre cine experimental, documental de creación y videoarte. Ha escrito y dirigido el mediometraje de ficción Splendeur, los cortometrajes experimentales Il segreto y Camera a due tempi, y – con Florencia Lajer – el documental El vulnerable margen de los cuerpos.

Inicio: Lunes 13 de abril de 2009

Horario: lunes de 19 hs. a 21 hs.

Duración: 8 clases semanales de dos hs.

Total 16 hs. Arancel: $ 100.- el mes

Jam de solo cello para bailarines y actores

A cargo del Profesor Claudio Peña

Claudio Peña es cellista, improvisador, compositor. En 2006 organizó el Cello work shop de E. Reijseger (reconocido cellista improvisador) con el cual tomó clases en Nueva York. Además participó en cursos de improvisación con Wade Mathews, E. Friendlander, Rasputina, Chris White, y otros maestros.

Actualmente improvisa en obras de danza, danza Butoh teatro y poesía, y también con su grupo El fin del Mundo.

www.myspace.com/arrecellowww.claudiocello.blogspot.com

Tercer Sábado de cada mes

Inicio:abril: sábado 18 de abril de 15 a 18 hs.

Arancel: $50 el encuentro
Inscripción previa

Workshop danza Butoh e Improvisación

Dictado por Quío Binetti

“Quien mira hacia afuera, sueña. Quien mira hacia adentro, despierta” Jung

Dos días de workshop donde se trabajara intensamente en busca del acercamiento al lenguaje de la danza Butoh y a la Improvisación de estados.Primordialmente desde una propuesta física, pero también con los aportes teóricos necesarios para su comprensión.No es necesario tener experiencia en danza Butoh u otro tipo de danza. En casos especiales se puede concurrir a algunos de los encuentro con aviso previo al coordinador.


Para inscribirse o para más información acerca del workshop o la danza Butoh pueden consultar www.quiobinettibutoh.blogspot.com - fquio@yahoo.com

CV / Quío BinettiBailarina. Coreógrafa. Directora.
Docente de danza butoh e improvisaciónProfesora e Instructora de educación física (IPEF). Profesora de Yoga (Centro Ananda) Curso Lic. En artes combinadas (UBA) Desarrolló su formación artística de manera independiente.Su interés y estudio sobre danza Butoh se vuelve un aspecto fundamental en su trabajo. Por lo que ha tomado clases con maestros argentinos y extranjeros de este particular lenguaje: Rhea Volij, Ofelia Ledesma, Tadashi Endo, Maura Baiocchi, Minako Seki, Stephane Cheynis.Actualmente investiga como bailarina y directora acerca de la danza Butoh y la improvisación escénica en presencia y entrecruce con otros lenguajes (teatro, música, literatura, video, plástica).

Pertenece como bailarina e intérprete, al grupo La Brizna danza Butoh, dirigida por Rhea Volij.Dirige a la compañía Siquiera (compañía conformada por alumnos de sus clases) En el 2006 ha recibido el subsidio de Prodanza para la producción de la obra La mujer que nació vestida estrenada el mes de Agosto en el ciclo Experiencias en Escena del Centro Cultural Borges.En el 2007 recibió el subsidio para jóvenes creadores del Fondo Metropolitano de las artes para la creación de una obra con la compañía Siquiera de danza Butoh.En el 2008 recibe el subsidio de Prodanza para la creación de La Aurora, que se estrenara en el 2009

Horario: Todos los tercer domingos de cada mes de 16 a 19 hs.
Arancel:$ 50.- cada jornada.

La pregunta sin respuesta:

Una aproximación a la música contemporánea desde el movimiento

A cargo de la profesora Celina Suez

Destinado a bailarines y actores de danza teatro

Esta propuesta de trabajo se basa en una escucha sensible, atenta y profunda de la obra de Charles Ives La pregunta sin respuesta, y tiene como objetivo ahondar en la vivencia, en función del movimiento, de algunos elementos del lenguaje de la música contemporánea.A lo largo de estos dos encuentros se desarrollarán actividades que permitirán: · tomar contacto con la obra y descubrir sus elementos y algunos conceptos que subyacen en la música contemporánea: polifonía, polirritmia, disonancia libre, yuxtaposición de métricas diferentes, contrapuntos disonantes, exaltación de timbres, intervalos, densidad, etc.;· improvisar con el movimiento a partir de la percepción del espíritu de la obra y de su captación corporal, y aportar ideas y propuestas creativas.

Charles Ives fue un precursor de la música contemporánea quien, según Igor Stravinsky, “se sentó al banquete de lo contemporáneo antes que todo el resto”. Su obra emblemática, La pregunta sin respuesta, es una miniatura musical compuesta con esquemas dramáticos simples que propone una cuestión filosófica interesante (“siempre una pregunta es mejor que una respuesta”); una pieza de música contemporánea rica en posibilidades de ser indagada, conocida y expresada con el movimiento.

Celina Suez: Es pedagoga musical y profesora de piano.

Desarrolló una sólida formación musical con prestigiosos maestros argentinos y extranjeros. Se formó en diversas técnicas corporales con reconocidos especialistas, entre ellos, Gërda Alexander (Eutonía) -con quien tomó clases en Buenos Aires, Copenhague y Nueva York- y Yiya Díaz (método Cos-Art).Coordinó talleres de apreciación de música del siglo xx y cursos de formación musical para bailarines y actores de danza-teatro en instituciones privadas, en el Centro Cultural Borges y en el iuna. Supervisó clases de Eutonía aplicada al piano en la W. Paterson University y Manhatan School of Music (eeuu).Participó en la preparación musical de bailarines y actores en la puesta de espectáculos de la Compañía de Danza Teatro – Centro Cultural J. L. Borges. Actualmente coordina talleres y seminarios de análisis y apreciación musical para bailarines y actores.


Horario: Sábado 16 y domingo 17 de mayo
de 14 a 17 hs. Arancel:$ 100.- los dos encuentros