Jardines de invierno

Horarios:Sábados 6, 13, 20 y 27 de noviembre

Síntesis Argumental de la obraEl tiempo ha separado a estas amigas de la infancia. Ahora se vuelven a encontrar a tomar un té. La que se ha ido del pueblo vuelve y encuentra a su amiga, en su jardín de invierno. El lugar encierra un secreto. Ambas sufren de lo mismo, infertilidad. De eso parecen no poder hablar. Hasta que el misterio se devela.

Versión artística de la puesta en escena Partimos de un espacio. Concebimos un espacio y pensamos en las actividades que allí se podrían suceder. A partir de ahí fuimos construyendo la obra. Una charla, un té. Y comenzamos a entrever lo que aquello ocultaba: su condición humana, su condición de mujeres, su condición de actrices.Un jardín con plantas de plástico mezcladas con otras pintadas y otras de verdad. La verdad y el artificio. Nuestra época artificial y estéril, donde todo nace metido dentro de un determinado sistema social en decadencia, donde todo nace muerto. El teatro nace allí, muerto también, las actrices no pueden concebir gestos nuevos, todos están usados, gastados. El hombre encerrado en la sociedad, la mujer estéril a pesar de sus libertades, el actor y la obra deudores de un espacio.

La puesta en escena, juega entonces con ese espacio ambigüo entre lo real y lo artificial, entre lo vivo y lo muerto. ¿Qué es lo real? En la tele se ven pini-pons hablando como personas reales. El jardín de invierno es una construcción frontal y cerrada, hecho de cartón, plantas artificiales, plantas pintadas y plantas reales. La estética es linda y cuidada, y a su vez demacrada y triste.

El trabajo surgió a través de improvisaciones. Luego se fijaba un texto y se ejercía una improvisación sobre el mismo, para que se vaya ampliando, descubriendo más en ello. Algunos textos se le agregaban por fuera, algunos textos se escribían en conjunto como un cadáver exquisito. Se le pidió a personas exteriores al proceso de creación que escribiesen los textos del televisor con una consigna que no permitía que se alejen tanto de lo tratado, pero a su vez sin clausurarse al trabajo realizado. Así, en un proceso de un año y medio encontramos la obra.

Ciclo tardes y noches

Horarios:Sábados de octubre a las 20:30 hs

Domingos de octubre de 15 a 18:30 hs.

Domingo 31 de octtubre a las 19 hs.

Un ciclo dedicado al Butoh y sus devenires.

La Propuesta de este ciclo es reunir a diferentes coreógrafos que representen a través de sus obras algunas de las nuevas tendencias y búsquedas en este lenguaje particular. Cada artista convocado mostrara en su obra una particular elección creativa dentro del paisaje de la danza Butoh.

Edición 2010:Sábados 20.30 horasObras escénicas. $25 y $20 con desc. (Sala Norah Borges)
Domingos de 15 a 18.30 horasSeminarios prácticos nacionales e internacionales $80 (Sala Spiller)
Domingo 31 de octubre 19 horasEncuentro teórico abierto al público. Entrada gratuita (Sala Spiller, capacidad limitada)

Idea y producción: Quío BinettiAsistencia técnica: José BinettiDiseño gráfico: Yanina GarcíaFotografía: Natalia Palau

Entrada general $ 20 y Jub. y Est. $ 15

/entretiempo/

Tres relatos en una forma vacía

Horarios:Viernes 17 y 24 de septiembrea las 21 hs.

En esta obra, el imaginario surge de una acción-meta: marcar un rombo en el piso con cinta adhesiva blanca. A partir de esa acción, se desprende el comportamiento de los cuerpos.En la medida en que el universo se vaya armando, apareceran los colores. Obra para tres intérpretes y un televisor.

Ficha técnicaIntérpretes/ Mariela Nussembaum, Amanda Millione y Carolina EspósitoColaboración creativa y asistencia en ensayos/ Mariu AquermanSonido/ Jorge GuesalagaVestuario/ Antonella AntonucciIdea y dirección/ Carolina Espósito
Carolina Espósito: -Es egresada de la Nueva Escuela de Danza Contemporánea Arte XXI.En los ultimos años tomó seminarios con: Vera Mantero, Andrew Harwood, Andrew Morrish, Angus Balbernie, Fabiana Capriotti, Augusto Cuvilas y Oscar Araiz. Integró el Ballet de Bolsillo, compañía El Escote y el Ballet Neoclásico de Buenos Aires. Fué intérprete en obras de Oscar Araiz, Roxana Grinstein y Ana María Stekelman.-Luego de dos residencias de creación en la Alianza Francesa de Buenos Aires, en 2007 fue invitada por Augusto Cuvilas a una residencia de creación en Maputo (Mozambique). Como resultado de la colaboración se creó la obra Fin, estrenada en la Plataforma Internacional de Danza Contemporánea de Maputo.-Bailó en el Festival Ciudanza 2009 y participó durante 2 años consecutivos del Laboratorio de Investigación Escénica del Centro Cultural de la Cooperación, encuentros coordinados por Eugenia Estevez y Viviana Iasparra.-Al volver de Mozambique, en 2008, comenzó a gestionar Proyecto Concreto (P.C.). Organizando talleres y realizando intervenciones en espacios no convencionales como galerías de arte y espacios públicos.En el presente, mantiene el vínculo y la colaboración con Manuel Estrada (músico argentino residente en Bolivia), integrante de P.C. en sus inicios.Este año, dirige e interpreta con él la obra BEBE KATTARI, en una residencia de creación en el Teatro de los Andes (Yotala/Bolivia), donde la presentaron en junio.-Desde 2007 es docente de danza contemporánea en diferentes estudios de la ciudad de Buenos

Aires.http://www.proyectoconcreto.blogspot.com

Entrada general $ 25.- Descuentos $ 20.-

Marco Sanguinetti, concierto

Horarios:Jueves 23 de septiembre, 21hs.

Marco Sanguinetti (piano), Hernán Rodriguez (batería), Migma (bandeja giradiscos), Omar Grandoso (melódica y trombón) y Paloma Kippes (voz). Poco antes de entrar a grabar su tercer disco, el pianista presenta un programa de música original y algunas revisiones sobre temas provenientes del rock.

Entrada $25 (estudiantes y jubilados $20).

Bajo el péndulo

(lo que Juna decidió recordar)

Obra para intérpretes y péndulo de sal La primera parte fue estrenada en el marco del IV Festival de Danza Contemporánea de Buenos Aires, en febrero del 2007, junto al actor Alejandro Awada.En esta oportunidad presentaremos la segunda parte junto a la actriz Silvina Alfie y a Ariel Sicorsky, Silvina Alfie, Melanie Alfie y Ariel Sicorsky han trabajado juntos, unidos en diferentes procesos creativos, docentes y de investigación que han ido plasmando el mundo de sentidos que hoy habitan. A lo largo de esta trayectoria, recorrieron, combinaron, unieron y hundieron sus raíces en el encuentro de conceptos y experiencias de la danza, el teatro, las artes marciales, las tradiciones antiguas de Sudamérica y Oriente, los viajes físicos, metafóricos y visionarios. Drusilla, La Piedra echada, Oniria, El rumbo de la grieta, Bajo el péndulo y Bajo el péndulo (lo que Juna decidió recordar), son algunos de los trabajos que presentaron en Buenos Aires y diferentes ciudades de Europa. En dichos trabajos expresaron la visión de un mundo melancólico y secreto..., mágico, trágico, y a veces absurdamente cómico. Explorando las posibilidades narrativas del cuerpo y la palabra llegan hoy a “Bajo el péndulo (lo que Juna decidió recordar)”, una historia onírica donde los recuerdos exigen ser recordados (vueltos a pasar por el corazón), donde despliegan su “vida” de recuerdo y también se entregan generosamente a su destino: el Tiempo.

Acerca de la Obra“Bajo el péndulo” nace de un sueño y tal como va diciendo la obra, es la visión de alguien que entra en la noche, la noche como metáfora del olvido. Pero Juna queda en una región, un mundo íntimo con sus pocos testimonios, esos pequeños que se nos van esfumando, desgastando a través del tiempo: cartas, fotos, papeles, recuerdos sobre los que ella irá reconstruyendo una memoria que se quebró.Juna siente que ese pasado tiene vida, responde a preguntas que sólo ella escucha, repitiendo una y otra vez que no sabe dónde están, que a ella le contaron. Recuerda a un hombre y una mujer. El gran péndulo que drena sal permanentemente es donde Juna entra en la vorágine del tiempo, donde la sal lo cubre todo,es ese tiempo finito que le pesa y la deja a orillas de sus recuerdos todavía vivos.El espacio lejano es el lugar de los sueños, el tiempo de otros tiempos, aquel sitio donde el tiempo es eternidad. “Bajo el péndulo” recorre algunos ejes como el tiempo, el amor entre dos personas que renacen a partir del recuerdo de alguien, y lo que se pierde, y es entregado generosamente al destino. Este trabajo está basado en la investigación, en lo teatral, en el movimiento, en el espacio, la musicalidad, las atmósferas, los sentimientos.

Ficha técnicaIntérpretes: Melanie Alfie – Silvina Alfie – Ariel Sicorsky Escenografía y vestuario: Cecilia Figueredo Realización: Esteban AutieroDirección y textos: Melanie Alfie Colaboración en Dirección: Julio César Gilardoni Asistencia: Juan Pereyra Textos: Melanie Alfie

Horarios:7 , 14 y 21 de agosto11, 18 y 25 de septiembre a las 21 hs.

Entrada general $30 Desc est y jub : $25

Living (La Voraz)

Intérpretes: Belén, OrtizFederico, MorenoJimena, Pérez SalernoNicolas FerreyraValeria,

PolorenaFranco, La Pietra

Video- imagen: Federico, MorenoFlorencia, Muscogorry Maria José, Soto

Música: Sofía, VítolaFotografía: Carolina, González Asesoramiento de vestuario:Jazmín, Clavín

Entrada general $25 y $20 con descuento

Horarios:viernes de abril a las 21.

Anónimos

Anónimos es una secuencia de cantos tradicionales transformados, amasados, cuestionados y amados. Nueve voces, nueve cuerpos, que cantan y cuentan lo que nos pasa desde siempre.Una mirada propia y actual de un valioso legado que nos precede. Aquello humano que no cambia aunque todo cambie.

¿Cuantas formas hay de contar lo que nos pasa desde siempre? ¿Pueden cantos tradicionales anónimos convertirse en nuestro guión?ANÓNIMOS lo intenta. Lo intenta a través de sus voces, de sus cuerpos como soporte de esas voces y del espacio como representación del universo. Voces en movimiento que crujen, saltan, se esconden, explotan, murmuran, soplan, lloran, atacan.Cuerpos que suenan y resuenan, y en ese cantar nos cuentan los colores de la tierra, lo íntimo y lo de todos, quizás tu dolor y el mió, quizás no. Alguna alegría seguro. Sensaciones. Preguntas de ayer y de hoy.¿Puede un mundo de voces encarnar tanto?

La obra es el resultado de un proceso de investigación en torno al campo estético de la sonoridad de la voz y la articulación con sus cuerpos.Se trabajó con canciones anónimas tradicionales. Son trece cantos versionados, interpretados por nueve voces y nueve cuerpos en circulación, con una dinámica escénica dispuesta a 360º. Las mismas están unidas por puentes estético conceptuales que pretenden dar como resultado una única pieza, que transporta a quien la vive por distintas sensaciones de lo humano.

Ficha Técnica:Idea y Dirección: Jessica PinkusIntérpretes: Ramón Ferreri, Marianela Linsalata, Axel Majlin, Claudia Martinez, Aluminé Mónaco, Luz Morcillo, Analía Panigutti, Mariana Venerio, Nadia Villanueva.Proceso creativo: Jessica Pinkus, Ramón Ferreri, Marianela Linsalata, Axel Majlin, Claudia Martinez, Aluminé Mónaco, Luz Morcillo, Analía Panigutti, Mariana Venerio, Nadia Villanueva.Músicos: Emiliano Galluzi (percusión) - Ezequiel Silva (guitarra)Fotografía: Sol Levinas.Vestuario: Lorena Paz- Mariana MorcilloEscenografía (realización): Mariano Mónaco.

Entrada general $25 y $20 con descuento

Horarios:Sabados de abril a las 21 hs.

Proyecciones

... ideas en movimiento

Espacio de articulación teórico-practica,destinado a la investigación y experimentación en danza.

Que pensamos…Proyectar, proiectare, arrojar hacia adelante. Arrojar; impeler con violencia una cosa, despedir de sí, sacar a uno de su lugar. Espacio, violencia, lugar, cuerpo, forma. La danza está en los intersticios, los espacios en blanco que dejan estas palabras, en el silencio de la frase, en el suspenso de un pensamiento que mantiene con ella un romance tortuoso.Pensamiento- practica, pensamiento-cuerpo, presentes como polos enigmáticos, irreductibles a todo lenguaje sea tanto lingüístico como cinético. Hay algo en constante desborde. El cuerpo inaprehensible de quien baila, las ideas tensionadas de quien compone. La composición en danza ha sido en el transcurrir de nuestros encuentros semanales, la excusa perfecta, la herida no cicatrizada sobre la cual hendir cuestionamientos irresolutos. Cuestionamientos estos, relativos a la posibilidad de generar sentido a través del movimiento, los modos de ser del lenguaje de la danza, la posibilidad de una gramática que le sea propia, las clausuras del sentido.

Proyecciones ha propuesto un abordaje aún extraño al trabajo del bailarín contemporáneo. Ha abierto un espacio en el que la palabra y la danza pudieron compartir un suelo común, establecer un diálogo. Interpelar a la danza desde el pensamiento, al pensamiento desde la danza, borrar las diferencias entre ambos, volver a restituirlas, inquirir con la duda enunciable, responder con el silencio sonoro de un cuerpo que danza.

En éste sentido lo generado no es más que un proyecto, una violencia que le hemos hecho al orden aquietado de las cosas, los roles, las causas. Es un principio, un corrimiento espacial, una desorientación deseada y siempre inconclusa. Como a tientas, a media luz, hemos creado formas, sin inspiraciones mitológicas que las provoquen, ni razonamientos matemáticos que las justifiquen. Hemos buceado en la profundidad de la sensibilidad y en la superficie del pensamiento.

Desde el llanto conmovedor de las primeras composiciones, hasta el texto de quien suscribe, se desenvuelve una línea transversal que unifica extremos, polos cuya distancia se ha querido apaciguar. Trayecto espontáneo, sin coreografías que lo preanuncien, ni lugares establecidos donde arribar. Solo un empuje, un arrojar, hacia adelante, hacia lo desconocido. Quienes somos…

Bailarines: Mercedes ClaudevilleCamila SantosJulieta CiochiFrancisca Oyarce Diego GómezFlorencia PolloCintia MariscalSalomé BazanJosefina VergaraMaría José MarrodanCarolina BavioGisela BaiardoClaudia ZimmermannClarisa BisigliaAimé IbaldiNicole CondróLucía GarcíaVirginia López Leiva

Diseño de luces: Adrián Cintioli

Cámaras: Jazmin Bazan l Lucia FriedlanderColaboradores:Cristina Solans: maquillajeAna Brussa: asistencia generalMauricio: músico invitadoRubén Gallardo: sala de encuentros “espacio creativo”

Fotos: Cristina Solans l Camila Santos

Coreografías: Grupo ProyeccionesDirección y coordinación: Victoria Viberti
Entrada general $25 y $20 con descuento.

Horarios: Domingos 12, 20 y 27 de septiembre a las 20 hs

Ciclo tardes y noches de Butoh

Un mes dedicado al Butoh y sus devenires.

Un ciclo de espectaculos y de seminarios.
Coordinación general: Quío Binetti

Asistencia general: Rocío Salmoiraghi

Asistencia Técnica: José Binetti

Asistencia en función: Ayelen Mendieta

El Butoh, danza contemporánea japonesa, desde la década del 80 viene ganando terreno en el campo de la danza de nuestro país.Basado en la improvisación de Estados internos que se plasman en un cuerpo y lo bailan, el Butoh permite el despliegue poético personal de cada bailarín.Este lenguaje se ha prestado a apropiaciones y reapropiaciones, a cruces y mezclas, a devenires diversos desarrollando originales variables escénicas.La Propuesta de este ciclo es reunir a diferentes coreógrafos que representen a través de sus obras algunas de las nuevas tendencias y búsquedas en este lenguaje particular.Cada artista convocado muestra en su obra una particular elección creativa dentro del paisaje de la danza butoh.

Los seminarios seran de una duracion de tres horas donde el "espectador" podra vivenciar una experiencia butoh como participante del tallerLas obras cuentan con un formato pequeño y variado (solos, dúos, grupos.)La duración aproximada de cada noche de espectaculo será de 80 minutos.

Entrada general $ 20 y Jub. y Est. $ 15

Horarios:Domingo 1 de noviembre:Rhea VolijDomingo 8 de noviembre Rocio Salmoiraghi Domingo 15 de noviembre:Carina dobrito

Domingo 22 de noviembre:Quio BinettiDomingo 29 de noviembre:Andrea ChamaA las 19 hs.

Curso Intensivo de Verano: Arte y meditación

Experiencias con dibujo y color

Inicio: Viernes 8 de enero de 2010

Horario:viernes de 18 a 20:30hs.

Arancel: $200.- las cuatro clases

El arte abre el acceso a otra dimensión. Nos permite tanto al creador como al espectador participar de un espacio no ordinario de conciencia. Un espacio en el cual el tiempo no existe, en el que se revelan los hilos de una trama inefable.

El taller propone una aproximación a este espacio a través de ejercicios de dibujo y color que son mucho más que una ejercitación técnica.La mente también necesita ser entrenada para concebir nuevas formas y poder materializarlas.La propuesta está orientada hacia toda persona interesada en experimentar y realizar este trabajo, con o sin experiencia previa.

Graciela Ieger:

Nació en Buenos Aires. Se formó en las Escuelas de Artes Visuales Manuel Belgrano y Prilidiano Pueyrredón. Cursó Estética y Filosofía con el Licenciado Silvio Maresca. Continuó su formación en los talleres de Eduardo Giusiano y Carlos Gorriarena. Es Psicóloga Social, egresada de la Escuela de Psicología Social Enrique Pichon Rivière, y se formó como instructora en el Sistema de Gimnasia Rítmica Expresiva, sistema Milderman. Se capacitó en Seminarios de creatividad con el Dr. Carlos María Martínez Bouquet y la Licenciada María Cristina Florez.

Licenciada María Cristina Florez.

Como artista plástica participó en exposiciones individuales y colectivas.En el año 2005 ha recibido el 1º Premio en la VI Bienal de Pintura Paloma Alonso.

Sus obras forman parte de colecciones argentinas y del exterior. Es docente de dibujo y pintura desde 1976.

Anticipo: Curso Intensivo de Verano l Danza Contemporánea

Espacio propio. Augenblickespacio de investigación

coord. fernando n. pelliccioliy carlos osatinsky

Duración:5 encuentros de 3 horas.

Fechas:Del 25 al 29 de enero del 2010de 11 a 14 hs

Arancel:$ 250.- el curso

Espacio Propio.Augenblik” es un taller de investigación de la performance que conjuga aspectos técnicos del movimento con elementos ligados a la improvisación escénica bajo la conviccíon de que la “técnica” constituye una via de preparación para lo inesperado e imprevisible. “Espacio Propio” da nombre al sentido de espacio interno, refiriéndose al proceso de estudio de las conexiones que pueden descubrirse en nuestro propio espacio corporal y el espacio fuera de él, con las múltiples posibles interacciones y asociaciones ligadas a un espacio compartido kinético, emocional y poético. El vocablo alemán “Augenblick” se traduce al español como “momento” o “instante”. Literalmente está compuesta por las palabras “ojos” (Augen) y “mirada/imágen” (Blick) dando al término un significado pleno y metafórico rico en asociaciones físicas: parpadeo, lo que ocurre en un abrir y cerrar de ojos, la duración de una mirada, ser testigo del instante pleno, el aqui-ahora. Cada encuentro comienza volcando nuestra atención hacia la estructura ósea del cuerpo como principal medio de apoyo y sostén. A través de una serie de secuencias simples buscaremos concientizar la presencia del hueso, las uniones y del tejido más profundo con el fin de lograr un movimiento más eficiente, conectado y creativo. Abordaremos, luego, un trabajo de exploración donde el cuerpo se exprese como un medio bajo un flujo de constantes cambios de necesidades internas y externas. Trabajamos en generar estados energéticos y emocionales haciendo incapié en el desarrollo de la energía individual y de su interrelación con la energía grupal y con el entorno. Con el objeto de desarrollar habilidades en la improvisación, de generar un estado de permanente alerta, nos apoyaremos fundamentalmente en la capacidad de observarnos a nosotros mismos para así poder darnos a lo que ocurre en nuestro entorno con confianza. La intuición, la entrega, la escucha y la aceptación, son las capacidades fundamentales que potenciaremos para así establecer vínculos expresivos y trascender obstáculos para el libre flujo del ser creativo y escénico. Propondremos diversas experiencias y recursos que entrecrucen lo vivencial y la reflexión sobre el evento escénico. “Espacio Propio.Augenblick” está dirigido a bailarines, performers, actores, artistas y toda persona buscando experimentar y ampliar el campo expresivo a través del cuerpo.

Breve Biografia Conjunta Fernando N. Pelliccioli, nacido en Buenos Aires, y Carlos Osatinsky, nacido en Tucumán ,Argentina, son bailarines y coreógrafos residentes en la actualidad en Berlin, Alemania. Ellos se encontraron mientras cursaban los estudios en el Taller de danza Contemporánea del Teatro San Martín en Buenos Aires donde estudiaron, entre otros, con maestros como ser Haichi Akamine y Marina Giancaspro. Luego de sus respectivas experiencias como bailarines en diferentes compañías y coreógrafos en Argentina (Cia. de Danza Contempóranea del Teatro San Martín, Nucleodanza, Antikos, Sísifo Teatro Físico, Grupo de danza contemporánea de Tucumán, etc.), en el año 2000 viajan a Europa con el deseo de expandir sus experiencias profesionales y de vida. Alli profundizan sus estudios con Jeremy Nelson, Susan Klein, Emio Greco, David Zambrano, Angels Margarit, Roberto Oliván, Sasha Waltz, Los Ballet C. de la B., Luis Lara Malvacias. Desde entonces trabajan como bailarines independientes y creadores en diferentes proyectos de la escena europea, principalmente en España, Bélgica, Suiza, Austria y Alemania junto a Tomi Paasonen, Anna Huber, Toula Limnaios, Davide Camplani, Trisha Brown, Roberto Oliván, Andres Corchero y Rosa Muñóz, Andrea K. Schlewein, Heike Hennig, Helena Lizari, entre otros.

A su vez, ellos transitan un camino de colaboración materializando diversas experiencias artísticas y educativas impulsados por la búsqueda de un lenguaje escénico de apertura y riesgo donde investigan diferentes modos de relación entre intérpretes, obra y espectadores. Sus últimos trabajos son “CAER” -presentado en Argentina, Madrid, Barcelona y Berlín-, “También Tan Poco”, improvisación en escena con 11 bailarines, “ La Inmediatez de la Presencia Pura ” y “Pido el Silencio”, creada para el Grupo de Danza Contemporánea de la Provincia de Tucumán, estrenados en diciembre del 2005 y “Winners” bajo la dirección de Helena Lizari en Barcelona, España.Como educadores han dictado cursos y talleres en Kassel, Berlin, Barcelona, Granada, Madrid y en Argentina en Buenos Aires, Jujuy y en numerosas ocasiones en la provincia de Tucumán. Han sido invitados a dictar clases en el Taller de Danza del Teatro General San Martín en Buenos Aires, y en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Tucumán.

“SPEAK 3.0” y “3M2 [Tres metros cuadrados]”

SPEAK 3.0

Alejandra Ceriani, Fabricio Costa Alisedo y Fabián Kesler presentan Speak 3.0: una pieza multimedial que es germen de planteos conceptuales innovadores, a partir de la experimentación con nuevas herramientas tecnológicas que vinculan cuerpo, imagen y sonido. los creadores proponen una búsqueda para relacionar creativamente los procesos de cambio radical experimentados por la sociedad y el individuo contremporáneos.

La interacción en tiempo real de una performer, un artista digital y un compositor electroacústico hacen confluir el movimiento, la animación y la música para generar un diálogo en el cual La dualidad de los estados de movimiento / quietud de un cuerpo son traducidos y reinterpretados en paradigmas visuales y sonoros, que se combinan con el material generado por el músico-diseñador de sonido y por el artista digital. este último trabaja con un software de desarrollo propio llamado Moldeo.Así, se genera un cruce de sentidos donde las imágenes y los movimientos pueden escucharse y los sonidos, a su vez, verse y palparse.







“3M2 [Tres metros cuadrados]”

La bailarina y cantante Valeria Pagola estrena en argentina la pieza de improvisación 3m2 junto a Fabián Kesler músico electrónico. 3m2 fue estrenada en julio de este año en Valparaíso chile, invitada por la plataforma Escenalborde en aquella ocasión la improvisación se realizó junto a los músicos Chilenos Fernando Godoy y Rodrigo Ríos.

Un espacio cuadrado de tres metros por tres metros, con cables y micrófonos desperdigados por el suelo, será el reducido escenario donde danza, voz y música entrarán en juego. La performance está basada en su tema de estudio, el vínculo voz-movimiento y en la estética de 55[sin.cuentay5] obra de la coreógrafa estrenada en el año 2008.

Este trabajo toma de 55 el marco escenográfico: piso contrastante al cable de los mics, cantidad de cables y micrófonos.Fuera del cuadrado Fabián Kesler trabajará con los sonidos captados por los micrófonos, la voz de la bailarina será modificada en tiempo real y a su vez podrá activar bloques musicales y bases rítmicas propias; integrando así la propuesta de la voz la danza junto a su experiencia musical, creando entre los dos un extraño mundo sonoro.

Ficha Técnica:

Voz y Danza: Valeria Pagola

Música Electrónica: Fabián Kesler

Asistencia creativa: Melina Boyadjian

Funciones:

Viernes 6,13,20 y 27 de noviembre a las 20.30 hs

Ciclo Improvisaciones en los 25 años del Rojas

Con el apoyo de:

“Improvisar es un movimiento continuo, un recorrido en permanente cambio donde explorar se torna vertiginoso. Supone un juego de operaciones realizadas en el instante mismo. Intervienen la casualidad, la concentración, la síntesis, el azar, la incertidumbre, la repetición, la intuición, el error, la adaptación, el cambio, la deriva. Atrapar ese instante en su fugacidad es lo que nos proponemos en este ciclo.”

Adriana Barenstein

Experiencias en Escena del CCBorges en los 25 años del Rojas. Ciclo Improvisaciones (a Horacio Pigozzi).

Se trata de una forma de homenaje vivo a los últimos años de la danza local , que se realizará en funciones diferentes, con programas únicos. También participan: Mariana Bellotto, Sergio Pletikosic, Juan Pablo Amato, Quio Binetti, rosa castilla, Bárbara Hang, Federico Moreno, Julieta Rodríguez Grumberg, Lía Mazza, Codazzi, Emiliano Formia, Ramiro Soñez, Victoria Viberti, Diego Franco, Nicolás Ferreyra, Diego Mauriño, Juan Veppo Valeria Polorena, Jimena Perez Salerno, Pilar Rodriguez Rey, Ana Clara Gossneiler y Nicolas Ferreira, entre otros.

1.“Y” Integrantes: Adriana Barenstein, Mariana Bellotto, Sergio Pletikosic, Quio Binetti, Juan Pablo Amato/ Diseño de luces: Eugenio Barenstein/ Sobre textos de Adriana Barenstein



2. Eso que la tierra y el cielo no logran hacer que persista El proyecto consiste en una improvisación conjunta de música, performance y video en tiempo real tomando como eje de la búsqueda la idea de loop o repetición. Los performers en escena se verán atravesados por una proyección, la cual será un elemento que combinado con el lenguaje musical (violin, voz) y el corporal construirá un único significante. La repetición se sucede en el tiempo a través de nosotros, sin embargo cada momento es efímero y el cambio inevitable. Un nuevo instante parece ocupar el lugar del anterior borrando parte de su rastro. ¿Pero qué pasaría si cada instante anterior no se borra sino que se convierte a su vez en presencia?
Rosa Castilla/ cantante - perfomerJulia Tchira / violin - performerFederico Gonzalez/ procesamiento sonoroPatricia Bova / procesamiento de videoBruno Lopez/ video feedback



3- Primera impresión Composición de danza y música en tiempo real (fragmento) La primera impresión es una imagen suspendida en el pasado que se actualiza en el presente. ¿se puede fragmentar el tiempo, puede perder su ininterrumpida continuidad, su dirección irreversible? ¿cómo afecta el factor tiempo en las posibilidades de construcción de (los) relato(s)? Intérpretes: Bárbara Hang, Federico Moreno, Julieta Rodríguez Grumberg, Lía Mazza/ Diseño sonoro: Mauro AP/Producción: Alexis Losada/ Dirección: Julieta Rodríguez Grumberg



4- Cía Móvil. Asociaciones Libres (improvisaciones para la obra Objetos ) La Cía Móvil está desarrollando una Residencia en Experiencias en Escena del CCBorges, destinada a la búsqueda de lenguaje y material para su próxima obra “Objetos” que estrenará a comienzos de 2010 y que obtuvo un subsidio a la creación de PRODANZA. Creación e interpretación de la danza: Mar Codazzi, Emiliano Formia, Ramiro Soñez, Victoria Viberti/ Creación e interpretación de la música: Marco Sanguinetti/ Iluminación: Adrián Cintioli/ Producción Ejecutiva: Solange Courel/ Dirección General: Inés Armas y Fagner Pavan


5-“Boxes o la carrea de tu vida”- Fragmento “En medio de una carrera de Formula 1, cuatro compañeros de escudería irán pasando por diferentes situaciones mientras esperan en los boxes a su piloto. El espacio se irá transformando a medida que el tiempo pasa y los personajes se descubren, dejando lugar a la sensibilidad del hombre en relación con el automóvil y la competencia”.Intérpretes: Diego Franco, Nicolás Ferreyra, Diego Mauriño y Juan Veppo/Producción: Solange Courel/ Idea original y dirección general: Exequiel Barreras/Diseño de escenografía y vestuario: Marta Albertinazzi/Realización de escenografía: Rodolfo Leal/Diseño de iluminación: Andrea Czarny, Cecilia Stanovnik/Música original y edición: Guillermo Senn/Asistente de coreografía: Alfonso Barón/Textos: Exequiel Barreras, Malena Medici e intérpretes/Diseño gráfico: Petre



6-No se puede vivir del amor La propuesta trata de mostrar al público, no un resultado final, sino una experiencia donde lo desarrollado por los artistas será improvisado a partir de pautas definidas que tienen como común denominador las relaciones amorosas. Una experiencia donde se pone el foco en lo sensorial e intuitivo. El público podrá disfrutar de un espacio que muchas veces pertenece a la intimidad del proceso creativo de una obra. Intérpretes:Valeria Polorena / Jimena Perez Salerno / Pilar Rodriguez Rey / Ana Clara Gossneiler / Juan Veppo / Nicolas Ferreyra / Diego Mauriño / Diego Franco / Producción: Solange Courel / Idea y Coordinación general :Exequiel Barreras/Fotografía: Helene De Jaham

Fechas: Jueves 24 a las 21hs

Sala Batato Barea CCRojas-Av. Corrientes 2038- CABA

Entrada: gratuita Importante: las entradas se retiran a partir de las 14hs en la Librería del Rojas. La capacidad es limitada.

Impromptu

La improvisación no se diferencia en lo esencial de la obra urdida en el pasado.
Toda obra sucede en el presente.

Y todo espectador la construye a su vez en su propia percepción, dejándola desaparecer luego del instante preciso en que sucede, erigiendo en su lugar una forma vaga: la suma de rasgos que delineó, sus voces altas y sus murmullos, colores, espacios, duraciones, texturas, gestos.
Pero es la suma de su recuerdo.

Improvisar: existir en el presente. Contemplar, aceptar, asir suavemente y luego dejar ir, permitir nuevas llegadas.

Deconstruir apenas en nuestra ilusión los designios del tiempo.

Ficha técnica:
Yesica Alonso
Julio Arias
Guadalupe Colman
Lucas Díaz
Nicolas Ferreira
Mariela Loza
Emanuel Ludueña
Verónica Maseda
Lia Mazza
Victoria Viberti
Piano:
Ignacio Gómez Bustamante
Fotos:
Tamara Ludueña
Noel Roffë
Paula Schilling
Dibujos:
Hernán Bermúdez
Iluminación:
Luciana Giacobbe
Asistencia general:
Sol Regal
Dirección:
Emanuel Ludueña

Funciones: viernes 16, 23 y 30 de noviembre a las 21 .

Precio $25 y $20 con descuento para estudiantes y jubilados

Adelantos: en noviembre "CAER"

un dúo de/por
Carlos Osatinsky y Fernando Nicolás Pelliccioli
(ARGENTINA/ALEMANIA)
el que osó superar/en el vuelo a los pájaros/
otra vez una cosa debe saber: ¡caer!
paciéntemente descansar/en la gravedad. (Rilke)


Caemos en gracia o en desgracia. Caemos en cuenta. Caemos enfermos o en una depresión. Caemos en el amor (en inglés: to fall in love). Perceptible o imperceptiblemente, caemos o algo nos cae encima. Paradigmas o sistemas caen y cambian súbitamente: hemos caído del paraíso de inocencia para vivir en esta vida terrena. Nuestros gobiernos y sistemas de creencias, nuestras ideologías caen para dar paso a otros gobiernos, otras creencias, otras ideologías. La bolsa de valores cae y desata una y otra vez pánico y crisis mundial. Recaemos y nos levantamos, o así pareciera ser. Buscamos comprender y describir esta caída. Incluso su misma descripción histórica como fenómeno físico cae y muta, evoluciona entre frustraciones e iluminaciones. Por temor a caernos, a perder el control y quedar atrapados en lo inevitable, avanzamos estáticos.

¿Y si permitiéramos la caída, si nos entregasemos a ese vacío? ¿Si en este constante devenir fuéramos con ojos abiertos hacia el encuentro de aquello original, único e irrepetible que anida en cada instante? ¿Y si este fuera el único y misterioso método?.

“CAER” es un dúo, dos cuerpos que comparten esta metáfora de exploración física y escénica junto a la presencia del espectador confinados en un mismo espacio de posibilidad. Como vehículo de algo que se expresa a través nuestro, que “cae” por medio de nosotros, “CAER” es este proceso de descubrimiento conjunto desde la performance y su realidad poética sobre lo que muta y permanece paradójicamente inmutable; sobre aquello que nos pone cara a cara con los misterios de la existencia y con su espejo: la creación artística. Sobre lo que nos enfrenta así, al fín y al cabo, con el vértigo y la calma del inevitable presente.

Ficha Técnica:
Colaboración artística:
Lilian Mirkin (Argentina)
Trinidad García Espinosa (Barcelona)
Intérpretes, espacio escénico, espacio sonoro y dirección general:
Carlos Osatinsky
Fernando Nicolás Pelliccioli.

Fotografías: Mercedes Appugliese

CAER es una creación independiente realizada con el apoyo de: M.U.N.T. (Museo de la Universidad Nacional de Tucumán) y de Fani Benages Arts Escéniques (Barcelona)
CAER ha sido fue creado en residencia en el M.U.N.T. (Museo de la Universidad Nacional de Tucumán, Argentina) durante marzo y abril del 2008. Ha sido presentado en el M.U.N.T.; El Navegatorio y La Usina (Madrid, España); Espacio Bretón (Barcelona, España.) y en K77 (Berlin. Alemania.)

Breve Biografia Conjunta
Fernando N. Pelliccioli, nacido en Buenos Aires, y Carlos Osatinsky, nacido en Tucumán (Argentina), son bailarines y coreógrafos residentes en la actualidad en Berlin, Alemania. Ellos se encontraron mientras cursaban los estudios en el Taller de danza Contemporánea del Teatro San Martín donde estudiaron, entre otros, con maestros como ser Haichi Akamine y Marina Giancaspro. Luego de sus respectivas experiencias como bailarines en diferentes compañías y coreógrafos en Argentina (Cia. de Danza Contempóranea del Teatro San Martín, Nucleodanza, Antikos, Sísifo Teatro Físico, Grupo de danza contemporánea de Tucumán, etc.), en el año 2000 viajan a Europa con el deseo de expandir sus experiencias profesionales y de vida. Alli profundizan sus estudios con maestros como ser Jeremy Nelson, Susan Klein, Emio Greco, David Zambrano, Angels Margarit, Roberto Oliván, Sasha Waltz, Los Ballet C. de la B., Luis Lara Malvacias.

Desde entonces trabajan como bailarines independientes y creadores en diferentes proyectos de la escena europea, principalmente en España, Bélgica, Suiza, Austria y Alemania junto a Tomi Paasonen, Anna Huber, Toula Limnaios, Davide Camplani, Trisha Brown, Roberto Oliván, Andres Corchero y Rosa Muñóz, Andrea K. Schlewein, Heike Hennig, Helena Lizari, entre otros.
A su vez, ellos transitan un camino de colaboración materializando diversas experiencias artísticas y educativas impulsados por la búsqueda de un lenguaje escénico de apertura y riesgo donde investigan diferentes modos de relación entre intérpretes, obra y espectadores. Sus últimos trabajos son “CAER”, “También Tan Poco”, improvisación en escena con 11 bailarines, “La Inmediatez de la Presencia Pura” y “Pido el Silencio”, creada para el Grupo de Danza Contemporánea de la Provincia de Tucumán, estrenados en diciembre del 2005 y “Winners” bajo la dirección de Helena Lizari en Barcelona, España.

Como educadores han dictado cursos y talleres en Kassel, Berlin, Barcelona, Granada, Madrid y en Argentina Buenos Aires, Jujuy y en numerosas ocasiones en la provincia de Tucumán. Han sido invitados a dictar clases en el Taller de Danza del Teatro General San Martín en Buenos Aires, y en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Tucumán.

Única Función:Jueves 26 de noviembre a las 20 hs

Entrada general $25.- Estudiantes y jubilados $20.-

Arí Axé: El eje sagrado

“Nos arrodillamos en el cielo
Y escogemos nuestro destino
Pero cuando llegamos a la Tierra
Nos impacientamos”
Odú de Ifá Babá Eyiogbé

Todos los domingos de agosto el grupo Odé presenta “Arí Axé : El eje sagrado”, en una puesta que combina expresiones de la danza y la literatura religiosa de origen africano en América. El espectáculo aborda la tradición religiosa afro-brasilera, rescatando de su repertorio movimientos, gestos y simbología relacionados con los distintos momentos de una ceremonia religiosa de Candomblé Especialmente, los que se realizan junto al poste central del templo -la representación del axis mundis (eje del mundo) que en esta religión lleva el nombre de arí axé -.
Haciendo un uso creativo de la tradición, las coreografías tradicionales afro-brasileras se entremezclan con movimientos de danza contemporánea, jazz, flamenco, capoeira y otros surgidos de la investigación coreográfica. El resultado es una combinación de ricas y complejas coreografías y el innovador repertorio musical creado por Fabián Tejada , Director del grupo Kamaruko de percusión argentina que se articulan con textos del cuerpo filosófico-literario de Ifá ( el oráculo sagrado Yoruba).

“ Arí axé es un propuesta de investigar, proyectar y enriquecer la danza afro, que no intenta reproducirla fielmente sino establecer un diálogo y un estado de comunión con las tradiciones afroamericanas”, explica Laura Rabinovich, a cargo de la dirección del espectáculo.


Funiciones: domingos 12, 20 y 27 de septiembre a las 20 h. Entrada $25 y $20 con descuento. Sala Norah Borges del C.C. Borges Viamonte 525.

Primera impresión

Composición de danza y música en tiempo real

La primera impresión es una imagen suspendida en el pasado que se actualiza en el presente. ¿se puede fragmentar el tiempo, puede perder su ininterrumpida continuidad, su dirección irreversible?

¿cómo afecta el factor tiempo en las posibilidades de construcción de (los) relato(s)?

Intérpretes:
Bárbara Hang
Federico Moreno
Juan Leiba
Julieta Rodríguez Grumberg
Lía Mazza
Música:
Jorge Grela / Mauro AP
Ilumninación:
Adrián Cintioli
Producción:
Alexis Losada
Dirección:
Julieta Rodríguez Grumberg

Funciones: 18 y 25 de septiembre a las 21

LLega: Mal Amor

Mal Amor es una historia de desamor contada en movimientos musicales.
El final de una en una casa casi vacía.
Una mujer que se marcha y un hombre que sufre y no soporta un nuevo abandono.

Todos los sábados de septiembre, octubre y noviembre se presenta "Mal amor" en el auditorio Norah Borges del Centro Cultural Borges. Se trata de un mediometraje teatral musical. Prescinde de la oralidad y se apoya en la música y la imagen. Es una historia sencilla. Un recorte en el final del final de una pareja. Una fotografía en movimiento para asistir a las emociones que se comprenden y a las que no se pueden compartir.

Mal amor es un mediometraje teatral musical. Una historia sencilla. Un recorte en el final del final de una pareja. Una foto en movimiento de las emociones que se comparten y también de las que no se pueden compartir.

El protagonista emotivo es un hombre mientras que las mujeres de la historia son sus objetos de amor deseados y perdidos. Para ser amadas cuando se alcanzan y aborrecidas cuando se alejan. Aunque la historia no es explícitamente una denuncia funciona como acento de un crimen que se reitera. Una muerte de las tantas que conllevan violencia de género.

Mujeres que viven en la intimidad actos cargados de violencia que se anuncia pero que muchas veces no se detienen.

Mal amor es un trabajo de montaje de muchas piezas para poner en movimiento algo que de todos modos está detenido en el instante que se termina. En el escenario se entreteje la proyección de video y la escena en vivo mientras la banda de sonido de la historia tiene un rol preponderante.

Solamente música.

Nadie canta, nadie dice, nadie explica.

Sala Norah Borges

Funciones: Sábados – 20.45 hs.

Localidades: $ 25 y $20 para estudiantes y jubilados.

Intérpretes:
Miguel Forza de Paul y Andrea Jaet
Participación especial: Carina Conti / Paul Mauch / Gloria Stingo / María Zambelli
Música original: Julián Massaldi
Escenografía y vestuario: Cecilia Zuvialde
Diseño de Luces: Fabricio Ballarati
Asistencia creativa y video: Gabo Baigorria
Colaboración audiovisual: Miguel Zeballos
Producción: Mónica Salerno
Dramaturgia y Dirección: Paula Bartolomé

Agradecimientos:

A Carina, Paul, Gloria y María por participar a pesar del frío y los madrugones.
A Cristian y Joel Drut, a Susana Pampín y a Vilma Rodríguez por los favores y la buena onda.
A Sergio Sorin por la innumerable cantidad de esfuerzos pasados y futuros.

A PROPOS SATIE

"Me llamo Erik Satie como todo el mundo”


ERIK SATIE (1866-1925) atravesó el desolado camino con gran valentía moral y encontró una vía consistente hacia el futuro sólo después de dejar la Schola Cantorum en 1912, ya que era un hombre de ideas que cuestionaba cada aspecto de la heredada tradición decimonónica y rechazaba sus conceptos de expresividad romántica y desarrollo temático. Fue el primero en desafiar la persistente influencia de Wagner en la música francesa y también paso de largo sin remordimientos por el impresionismo y por las seductoras sonoridades de Debussy y de Ravel. En muchos aspectos, su reinterpretación de los conceptos fundamentales que subyacen en el arte deriva más bien de escritores, escultores y pintores más que de algún compositor, aunque siempre era importante para él seguir en estrecho contacto con sus raíces en la música popular.


Sobre SOCRATE

La princesa Edmond de Polignac, de soltera Winnaretta Singer, que disponía de una orquesta de veinticinco músicos, y de un salón de música en el hotel de su propiedad, situado en la avenida Henri-Martin de París, encargó algunas obras, por lo general para recepciones privadas, a Igor Stravinsky Renard (el zorro), Manuel de Falla (el Retablo del maese Pedro) y Erik Satie La vie de Socrate (La vida de Sócrates).

A pesar que la princesa estudiaba griego, Satie tomó la determinación de utilizar una versión francesa de los Diálogos, y escogió deliberadamente la versión “menos lírica” de las existentes, la del filósofo espiritualista del Segundo Imperio, Victor Cousin.


Satie escogió tres diálogos de Platón, El Banquete, Fedro y Fedón, y seleccionó seis fragmentos del primero, tres de Fedro y por último, trece fragmentos de Fedón.
Al limitarse a unir estos fragmentos de los tres diálogos, distinguiendo su procedencia y conservando su orden de sucesión originario, sin añadir una sola palabra de su cosecha, Satie obtuvo un tríptico que pretendía mostrar, a la manera de los antiguos retablos, tres aspectos de la personalidad y el destino del filósofo.


En la primera parte nos presenta su retrato, en la segunda parte, su estilo de vida, simbolizado por un paseo a lo largo de un río en compañía de un joven discípulo; en la tercera parte, su manera estoica de morir.


Para impedir toda identificación de los intérpretes con los personajes –el filósofo y sus discípulos-, Satie pidió además que el reparto se confiara preferentemente a voces de mujer: cuatro sopranos, si era posible, a fin de obtener ínfimas variaciones de matiz en una misma tesitura.
La música de Socrate, “blanca e inmóvil como la Antigüedad”, no sufre, a lo largo de todo el relato dramático que la acompaña, ninguna alteración de carácter emocional.

“Sócrates es, creo, la obra mas importante que Satie escribió. Pero no me sorprende que mucha gente no termine de apreciarla del todo, porque es absolutamente nueva y original. Su innegable helenismo reviste una forma individual que era desconocida hasta ahora. La naturaleza de esto es difícil de definir y, para poder comprenderla, uno tiene que tirar por la borda determinados prejuicios musicales” […]
Charles Koechlin


“Erik Satie”, ReM, 5 de marzo de 1924, pp. 193




Sobre ENTR’ACTE

“Erik Satie, señores, es más joven que todos ustedes, lo que dice es ingenioso y divertido, y no pontifica con tintura roja en su pelo ni con los labios pintados. Ama la vida, la vida más bien sencilla, se atreve a tomar, se atreve a escribir su propia música, y es un placer para él hacerlo sin preguntarse si gustará o desagradará a la izquierda o a la derecha. Se atreve a vivir por su cuenta, no se prohíbe nada, no le prohíbe nada a nadie, a diferencia de esa gente que se rodea de una selecta camarilla para proteger sus ideas tan vacías como el apretón de manos de un político.
Eric Satie es, en mi opinión el compositor francés más interesante de nuestro tiempo, y si colaboro con él en su ballet titulado Relâche, es porque eso es lo que pienso de él, y porque lo considero más joven y más vital que muchos jóvenes caballeros que planean poner la vida como globos aerostáticos.”
Francis Picabia
“Eric Satie”, Paris Journal, 27 de junio de 1924, pp. 1

“Cuando lo conocí a Picabia, me explicó que quería que se proyectara un film entre los dos actos del ballet, como se hacía, desde 1914, durante los intervalos de los cafés concerts. Y yo era la única persona en la casa relacionada con el cine, la única persona a la que podían acudir.
En cuanto al guión, Picabia sólo sabía lo que había escrito sobre una hoja de papel con el encabezamiento de Maxim’s, y grande fue mi satisfacción cuando, al presentarle el film completo, lo escuché reírse de lo que yo había añadido.
Y Satie, ese viejo maestro de la música joven, anotó cada secuencia con un cuidado meticuloso y así preparó la primera composición escrita para el cine “secuencia a secuencia”, en una época en la que los films eran todavía mudos”
René Clair
À nous la liberté y Entr’acte (London, Lorrimer, Lorrimer Publishing, 1970), pp. 108-11


- René Clair (1898-1981) es conocido como uno de los más grandes directores de cine. Su carrera comenzó con Paris qui dort en 1923, y continuó con el episodio cinematográfico entre los actos de Relâche. Esta fantasía surrealista concentró a muchos de los nombres más famosos de la París vanguardista, desde Marcel Duchamp y Man Ray hasta el propio Satie, que fue filmado disparando un cañón desde el techo del Théâtre des Champs-Élysées en junio de 1924. Clair por lo general escribía sus propios guiones, pero en el caso de Entr’acte un breve guión fue suministrado por Picabia. Clair era también un consumado periodista y actor -



Viernes 4 y 11 septiembre – 21.30 hs
Centro Cultural Borges
Viamonte esq. San Martín
Entrada general $ 20 y $ 15 con descuento para est. y jub.

Un ciclo regido por el vértigo de explorar

En Experiencias en escena, del Borges

Escribe: Constanza Bertolini

Algunos espacios de arte tienen construida una imagen, un concepto, una línea que se presenta inequívoca en el imaginario de la gente con sólo nombrarlos. Otros, como el Centro Cultural Borges, no. En él conviven estéticas y disciplinas muy variadas, que no pueden identificarse ni con una corriente ni con una audiencia ni con un estándar de producción. Sin embargo, de todas esas salas que habitan el shopping Galerías Pacífico, hay una que da la nota: la Norah Borges, en el segundo piso, donde reside Experiencias en escena. Allí existe un tutor, un eje que atraviesa sus propuestas: explorar nuevas miradas en relación con las artes escénicas, alentando el cruce.

La curaduría de ese rincón perfilado del Centro Cultural Borges corresponde a Adriana Barenstein y, en consecuencia, la danza tiene un sitio especial, tanto con referencia a talleres y espectáculos, como con el ciclo de improvisación, uno de los pilares del lugar. Debajo de ese paraguas, donde intervienen factores como la casualidad, la síntesis, el azar, la intuición, el error y la deriva, el jueves último se presentó No se puede vivir del amor, improvisaciones a partir de situaciones de pareja, una propuesta ideada por Exequiel Barreras, que seguirá desafiando las coordenadas de la casualidad y el movimiento -por supuesto, con algunas premisas férreas- los siguientes jueves de este mes, a las 20.30.

El cordobés, de 25 años, acaba de llegar de Europa, donde en los últimos meses participó, en distintas ciudades, de experiencias enriquecedoras. Por ejemplo, del programa de entrenamiento coreográfico Siwic, en Zurich, hoy dice que fue "por lejos, la experiencia más interesantes y hermosa" de su carrera. Este paso del inquieto Barreras por Buenos Aires es apenas un stand by en su ruta internacional: con la visa alemana ya emitida, se integrará en septiembre a la compañía de danza de Coburg, Alemania.

Volviendo a la propuesta con título (y finalmente música) de Andrés Calamaro, a partir de determinadas pautas físicas son diez strangers in the night los que, en primera instancia, se revuelcan con Frank Sinatra en el punto de partida de este trabajo que, por sobre todo, es fresco. En parejas intercambiables, homo y heterosexuales, que pueden devenir tríos o cuartetos amorosos, un portero, un nadador con medalla, una oficinista, un farmacéutico, una camarera, un oficial de tránsito, un recolector de basura..., en suma, la decena completa de personajes, alterna su protagonismo mientras se entretejen cuadros muy intensos con situaciones de humor y otras que subrayan el sentido lúdico de este tipo de apuestas. Porque, al fin y al cabo, de eso se trata la improvisación, de un juego (para entendidos), donde el que no arriesga no gana. "Un juego de operaciones realizadas en el instante mismo -dice Barenstein-. Atrapar ese instante en su fugacidad es lo que nos proponemos en este ciclo".
Constanza Bertolini

Diario La Nación.
Sección Espectáculos
Miércoles 12.08.2009